martes, 25 de julio de 2017

La Fundación Aula de Cine Colección Josep M. Queraltó firma un convenio de colaboración con DIBOOS



De izquierda a derecha, Jorge S. Bonet, María Luisa Pujol y Carlos Biern

La Fundación Aula de Cine Colección Josep M. Queraltó firmó un convenio marco de colaboración con DIBOOS, Federación Española de Asociaciones de Productoras de Animación, el pasado 21 de junio en la sede de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España. Estuvieron en el acto Carlos Biern, presidente de DIBOOS, Jorge S. Bonet y María Luisa Pujol, presidente y directora respectivamente de la Fundación.

Ambas entidades acuerdan en el convenio colaborar en diferentes actividades culturales y educativas relacionadas con el cine, el audiovisual y la defensa de la parte técnica, y muy especialmente en el sector de la animación, participando, por ejemplo, en conferencias, exposiciones, proyección de obras cinematográficas, etc. Así mismo, la Federación se compromete a dar apoyo institucional a aquellas iniciativas llevadas a cabo por la Fundación que puedan hacer posible la realización de un espacio museístico en España referente en Europa en el que la animación tendría cabida.

DIBOOS aglutina las principales asociaciones del sector: AEPA (Asociación Española de Productores de Animación) y ANIMATS (Associació Catalana de Productors d’Animació). Los principales objetivos que se plantea la Federación están recogidos en el “Manifiesto a favor de la animación” todavía en vigor. Incluye, entre otros, la declaración del audiovisual como sector estratégico por su importancia tanto industrial como generador de empleo y cultural, como difusor de nuestra imagen y nuestra cultura; la defensa de la infancia y su derecho a contenidos audiovisuales creados para ellos que garanticen su desarrollo personal y emocional; y reclama la adopción de una serie de medidas que ayuden a la difusión, proyección y consolidación de la animación, de forma que se equipare al resto de sectores del audiovisual, así como la adaptación de la normativa española vigente a las normativas comunitarias más avanzadas.

DIBOOS reconoce que la Colección Josep M. Queraltó es una herramienta fundamental para la difusión de la cultura y educación cinematográfica, siendo de gran importancia preservar esta colección y que algún día llegue a ser un espacio referente en el conocimiento del sector cinematográfico y audiovisual no sólo en España sino también en el resto de Europa.




miércoles, 19 de julio de 2017

El cineasta Costa-Gavras recibe el Premio Internacional Catalunya



El cineasta franco-griego Konstantinos Gavras, conocido como Costa-Gavras, ha sido reconocido con el XXIX Premio Internacional Catalunya, que concede anualmente la Generalitat y que está dotado con 80.000 euros y la escultura "La llave y la letra", de Antoni Tàpies. El acto de entrega del galardón se celebró el 17 de julio en el Palau de la Generalitat.
Costa-Gavras es el primer director de cine en recibir este premio, que se entrega a aquellas personas que han contribuido de manera decisiva a desarrollar los valores culturales, científicos o humanos a nivel internacional. El jurado estuvo formado por el arquitecto Ricard Bofill, el historiador Agustí Colomines, la soprano Barbara Hendricks, el político Jacques Delors, el físico Jorge Wagensberg y los filósofos Edgar Morin y Josep Ramoneda, entre otros. Del premiado destacaron "la calidad de su extensa e intensa filmografía y su mirada crítica con el mundo y su compromiso social".

Coloquio en la Filmoteca

El director de la Filmoteca de Catalunya, Esteve Riambau, se mostró muy satisfecho por el premio, ya que la Filmoteca presentó la candidatura del cineasta franco-griego en varias ocasiones. El día después del acto de entrega del premio, el 18 de julio, la Filmoteca organizó el coloquio ‘Cine, historia, política. Un diálogo con Costa-Gavras’, que tuvo como protagonistas al homenajeado y a Esteve Riambau. Fue una conversación distendida entre ambos en la que se habló sobre las implicaciones históricas y políticas de la obra del cineasta.

La Filmoteca programó en 2010 un ciclo retrospectivo de Costa-Gavras, que también es presidente de la Cinémathèque Française, en el que se proyectaron las principales obras cinematográficas del director.

De su filmografía destacan varias obras de denuncia sobre diferentes regímenes totalitarios como ‘La confesión’ (1970) que critica el de Stalin, ‘Estado de sitio’ (1973), que hace referencia al de Uruguay o ‘Desaparecido’ (1982) el de Pinochet. Otras películas reconocidas del director son ‘Z’ (1969), en el que se reconstruye el asesinato organizado por la policía de un líder izquierdista, ‘La caja de música’ (1989) sobre los nazis ocultos en Estados Unidos, ‘Mad City’ (1997) sobre el poder de los medios de comunicación, ‘Amén’ (2002) sobre el silencio del Vaticano durante el Holocausto o ‘El capital’ (2012) sobre el capitalismo salvaje.

Al final del coloquio el presidente de la Fundación Aula de Cine Colección Josep M. Queraltó, Jordi S. Bonet, y el Dr. Josep M. Caparrós, patrono de honor de la Fundación y Catedrático emérito de Historia Contemporánea y Cine en la Universitat de Barcelona, saludaron a Costa-Gavras y le hicieron entrega de una copia del documental “JMQ, en busca de un sueño”, dirigido por Antoni Verdaguer, en el que participaron tanto Costa-Gavras como Esteve Riambau. 








lunes, 10 de julio de 2017

La postproducción, el 3D y el 360º cierra el curso “La evolución de la imagen cinematográfica” de Els juliols 2017 de la Universitat de Barcelona




La visita a a la empresa independiente dedicada a la Postproducción Audiovisual y creación de Efectos Digitales, Antaviana Films, con un guía excepcional, su fundador Josep M. Aragonés, y la ponencia del editor y director de postproducción Bernat Aragonés, el 7 de julio de 2017, puso el broche de oro al curso “La evolución de la imagen cinematográfica: del fotograma al cine en 360 grados”, patrocinado por la Fundación Aula de Cine Colección Josep M. Queraltó, dentro de los cursos de verano Els juliols de la UB.

Josep M. Aragonés hizo de ejemplar maestro de ceremonias al llevar a la veintena de alumnos por las diferentes salas de Antaviana Films que explican las diferentes etapas del proceso de postproducción de una película. Así se pudieron ver la sala de producción; la sala de composición y edición, con hardware basado en MacPro y monitor de 4K; la sala de Corrector de color Mistika. 4K, HFR, HDR, 2D/3D; La sala de postprodución de sonido, equipada con una consola Avid S6 M40/16 con Pro Tools HDX 8x8x8 System y procesador Dolby 750; el departamento de DCP y generación de KDM y la Sala de proyección de cine digital con SDI 2D y 3D dotado dedos procesadores Dolby 750. En ésta última, Josep M. Aragonés hizo su ponencia sobre adquisición de la imagen, 3D y 360º complementadacon la proyección de fragmentos de trabajos realizados por el equipo de profesionales de la empresa. Empezó formulando la pregunta “¿Qué debemos exigir al cine digital para compararlo con el cine fotoquímico?” y las definiciones de e-cinema (electronic cinema): que alberga todos los formatos, tanto de contenidos como de características técnicas que se proyecten en salas públicas; y d-cinema (digital cinema):  proyecciones digitales con preferencia a los largometrajes realizados para el cine y con calidad igual o mejor que el 35mm. Estas definiciones fueron dadas por la European Digital Cinema Forum, asociación creada entre 2001-2004 para poner orden y regular este sector audiovisual tan cambiante con las innovaciones tecnológicas. Los temas que fue desgranando fueron como el montaje con la integración de los trabajos de laboratorio digital y del sonido dan consistencia a la postproducción; las nuevas aportaciones al lenguaje a través de la composición; la integración de la imagen real, de síntesis y de grafismo; explicó las diferentes etapas de la postproducción: pre-producción (sobre el guión), producción (en rodaje), VFX en rodaje, postproducción (edición, sonorización, corrección de color, VFX, conformación y masterización), y distribución (acceso a las diferentes ventanas); la resolución en pantalla: según los cálculos realizados, la resolución mínima para una sala de proyección cinematográfica con una pantalla de una R/A: 1:1.85 de 12 metros por 6.5 metros de lado sería de 4096 pixel por 2214 pixel, colocando al espectador a 10 metros de la pantalla, mientras que para una resolución de 2K o HDTV, de 1920 x 1080 pixel, colocando al espectador a 10 metros de la pantalla, esta no debería ser mayor de 6 metros; la parte final la dedicó al 3D, del que dijo que es cíclico y que se pone de moda cada 10 años, y al 360 grados, el avance tecnológico más novedoso y cada vez más extendido que pudieron experimentar algunos de los asistentes. ´
La segunda sesión de la jornada se celebró en su espacio habitual, en el aula de la Universitat de Barcelona. Fue el turno del editor y postproductor de Antaviana Films, Bernat Aragonés. Su presentación giró en torno a la postproducción y la realidad virtual. Habló sobre las tendencias de vanguardia del audiovisual que configuran la manera en que se está trabajando actualmente en el entorno audiovisual pero que van a configurar la manera de trabajar dentro de 5 ó 10 años. Afirmó que todo lo que cae en la fuerza gravitatoria de la comunicación acaba integrándose en los procesos propios de las tecnologías de la comunicación. Hizo referencia a Ley de Mur establecida a finales de los años 1950: predijo que la potencia de un procesador se duplicará cada 12 meses. Han pasado 50 años y tenemos un poder de computación cada vez mayor y esta ley de Mur ha sido reformulada y ya no se implica la cantidad de datos que puede precisar un chip, se ha corregido y está en 16-18 meses. La cantidad de datos que se pueden procesar por segundo cada dos años se ha más que duplicado, la potencia, la capacidad de transmisión. El audiovisual no está ajeno a todo esto. Se ha completado un círculo, una flecha que se lanzó a finales de los años 1970, años 1980, que se empezaron a digitalizar algunos procesos de la producción audiovisual resulta que 40 años más tarde que se ha cerrado el círculo. Bernat recordó que después de las olimpiadas en Barcelona la empresa que tenían entonces compró el primer Avid, un sistema de edición digital no lineal, que hizo desaparecer la moviola al cabo de unos años. A finales de los 90 ya no quedaba ninguna en uso. A partir del 2000 se consolidó la tendencia del Intermediate digital, es decir la capacidad de procesar, almacenar, transmitir y postproducir la imagen digitalmente, un hecho que supone un momento de inflexión. Con el intermediate digital se pretende conseguir la misma calidad del negativo. Bernat explicó que en 1990 Kodak inventó Cineon, una arquitectura, un formato, un recorder, un escanner, que era un conjunto de múltiples tecnologías y de máquinas que permitían empezar a trabajar digitalmente una película. Y de aquí han salido los famosos 2K y 4K. Trató aspectos como la calidad del color y conceptos como la codificación lineal y la logarítmica. Bernat Aragonés destacó 2004 considerándolo un año importante, ya que es cuando se publicó la normativa del DCI (Digital Cinema Initiatives), un organismo creado por las grandes distribuidoras americanasque publicó una especificación para que todos los fabricantes de servidores y de proyectores tuvieran un documento de referencia al cual atenerse en el momento de construir equipos para la proyección digital. En 2017, explicó, se ha cerrado el ciclo de digitalización de todos los procesos en los que se está trabajando, la captura de la imagen, la edición y postproducción de la misma, la distribución y la exhibición. Hoy en día la industria es enteramente industrial. Bernat planteó una cuestión inquietante ¿Y ahora qué? En el inicio del digital aparece un agujero negro: la preservación de los materiales digitales no se ha tenido suficientemente en cuenta, no se le ha dado la importancia que se merece. Hay muchas películas que se hicieron entre los años 2005 y 2010 cuyos originales de cámara son prácticamente imposibles de recuperar. A partir del momento en que los productores asumen la conciencia de la fragilidad del soporte digital se preocupan de cuáles son las políticas de preservación del material digital. Cerca del final de su intervención, Bernat planteó otra pregunta que despierta gran interés ¿Hacia dónde se dirige la industria audiovisual? Hacia la consecución de más y mejores píxeles.“Hemos pasado del HD al 2K, del 2K al 4K, que es donde estamos en este momento, del 4K se pasará al 8K obviamente, y se seguirá creciendo". Vaticinó que se podrán hacer más píxeles porque se podrán procesar, se podrán transmitir, pero no solamente será la resolución espacial pues hay otros muchos factores que determinan la calidad de la imagen, como por ejemplo la resolución temporal, no solo que sea más grande el fotograma, sino que haya más pixeles en cada segundo. Se refería al HDR (Alto Rango Dinámico). Afirmó: “Siempre estamos dando vuelta a los mismos conceptos, lo que pasa es que cambiamos los acrónimos”. Otra novedad a la que hizo referencia fue a la llegada de la Ultra High DefinitionTV. En Corea desde el año 2000 las retransmisiones en TV son en 4K. Los japoneses tienen previsto transmitir los Juegos Olímpicos en 2020 en 8K. Aquí llegará más tarde, pero llegará. Finalmente, y después de una activa participación de los alumnos asistentes, dedicó los últimos minutos para hablar del 3D y del futuro 3D integral que prescindirá del uso de gafas.




















viernes, 7 de julio de 2017

El funcionamiento del ojo y la visión estereoscópica en el curso “La evolución de la imagen cinematográfica: del fotograma al cine en 360 grados” en els juliols de la UB

Alfons Bielsa y Lluís Bielsa


El 6 de julio los hermanos Alfons Bielsa y Lluís Bielsa, presidente y vicepresidente respectivamente del Col·legi Oficial d’Òptics Optometristes de Catalunya, dieron unas ponencias sobre el funcionamiento del ojo y la visión estereoscópica en el curso “La evolución de la imagen cinematográfica: del fotograma al cine en 360 grados”, en el marco de Els juliols de la Universitat de Barccelona.

Alfons Bielsa fue el primero en intervenir. Puso a la clase al día en los temas relacionados con el funcionamiento del ojo y aportó muchos datos, conceptos y definiciones de gran interés. Explicó, por ejemplo, la diferencia entre optometría y oftalmología: mientras la primera es la rama del estudio de la visión, que se basa en la valoración, el tratamiento y el seguimiento de las alteraciones del sistema visual desde las perspectivas óptica, funcional y ergonómica; la segunda es la rama de la medicina que se ocupa del ojo y sus enfermedades. O la diferencia entre visión (lo que uno percibe) y vista (sinónimo de agudeza visual). Afirmó que la visión es un conjunto de habilidades como son los movimientos oculares, la coordinación de los ojos, el enfoque, la visión del color, la percepción visual, la vista, la visión en 3D, aportando unas informacione curiosas, un 15 por ciento de la población tiene dificultades para ver el 3D, o que muchas personas que dicen no gustarles el cine en 3D es porque presentan problemas de visión binocular. El estudio que desde el Colegio Oficial de Ópticos Optometristas de Cataluña se ha hecho en el campo del 3D les llevó hace unos años a hacer la campaña “Vive el 3D” en el que se hizo el primer test colectivo en el mundo a más de 400.000 espectadores en los cines 3D de Cataluña. Alfons Bielsa introdujo también conceptos sobre lentes (convergentes, divergentes, tóricas), explicó las diferencias entre emetropía, miopía, e hipermetropía y amplió la definición de estigmatismo.

Lluís Bielsa, al igual que Alfons, supo combinar la clase magistral con demostraciones empíricas que en más de una ocasión provocaron las sonrisas y animó a la participación activa de los alumnos asistentes. Lluís centró su ponencia en la visión estereoscópica, la salud visual y el visionado en 3D. Para calentar motores y llamar la atención de los asistentes a la clase planteó frases ingeniosas como “La ausencia de evidencia no es evidencia de ausencia”, “¿La evidencia es siempre evidencia de presencia? Entrando en materia explicó lo que es la base del 3D. A través de un dibujo piramidal situó a partir de la base la visión monocular, la visión simultánea, la fusión plana y en la cima la estereopsis. Sorprendió con teorías como la binocularidad o la lucha contra el caos, el desorden, y la búsqueda del equilibrio continuo. Ante la pregunta formulada en muchas ocasiones de si los sistemas de visionado en 3D, su respuesta fue contundente: No. También dio pautas sobre los signos y comportamientos típicos indicativos de disfunción binocular ante el cine en 3D: cara de póker, cansancio visual, pesadez, dolor de cabeza, congestión ocular, lagrimeo, etc. Entre las alteraciones de la visión binocular destacó el esfuerzo de compensación, que se pueda acabar en metropía (estrabismo). Señaló como alteración más frecuente una visión de estabilidad forzada, la foria: cuanto más grande es más inestable. 





Colocando la mano abierta pegada al papel convertido en un objeto cilíndrico se consigue el efecto óptico de tener un agujero la mano atravesado por el papel.


Tiempo de descanso en un local donde la mayoría saciaban la sed con una buena horchata










jueves, 6 de julio de 2017

La captura de la imagen, su almacenamiento y la proyección centran la tercera jornada del curso “La evolución de la imagen cinematográfica: del fotograma al cine en 360 grados”



Los ponentes de la tercera jornada

El director de fotografia y co-fundador de Afilm, Juan A. Fernandez, fue el encargado de iniciar la tercera jornada del curso "La evolucion de la imagen cinematografica: del fotograma al cine en 360 grados" dentro de los cursos de verano de Els juliols de la UB. Explicó de forma inteligible basándose en su experiencia profesional y académica la historia y proceso de la captura analógica a la digital. Explicó, con una participación activa de los alumnos asistentes, los diferentes formatos de la película, su composición química, y elementos como la luz y de que forma se puede conservar la imagen una vez capturada ya sea de forma analógica y digital y archivarla. Sorprendió a los asistentes al curso con una serie de materiales y cámaras de películas de formatos diferentes que hicieron más comprensible sus explicaciones.

A Juan A. Fernández le siguió Albert Flaujat, responsable de de Control de Calidad y Servicio Tecnico de Fujifilm España. Habló sobre “Conservación y almacenamiento a largo plazo – soporte “RDS” Fujifilm Digital Separation Film”. Flaujat hizo un breve recorrido histórico de los soportes fotográficos, empezó con las placas de cristal, personajes claves en la aparición de la película: George Eastman (1854-1932), Hannibal Goodwin (1822-1900),  quien descubrió el primer método de fabricación de la película de celuloide por lo que está considerado como uno de los pioneros de la fotografía y el cine, y John Carbutt (1832-1905), que fue el primero en desarrollar láminas de celuloide revestidas con emulsión fotográfica para hacer películas de celuloide en 1888.  También citó a Emile Reynaud, inventor y el padre de la animación. Inventó el praxinoscopio en 1877 y lo mejoró creando en 1888 el Théâtre Optique. En cuanto a la composición del soporte fílmico explicó las características y diferencias del nitrato de celulosa y el acetato de celulosa. Después se adentró en la restauración de las películas y en la conservación. 
Explicó que es el RDS (Recording Digital Separation) e hizo referencia de la película ETERNA RDS con base de polyester, seleccionada por la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood, para recibir el Premio de Ciencia e Ingeniería 2011 por su valiosa aportación en la preservación de archivos de películas e imágenes digitales. La película ETERNA-RDS se integró al portafolio de FUJIFILM en abril de 2010 y está diseñada específicamente para la preservación de archivos cinematográficos, ya que permite realizar la separación de 3 colores en las imágenes a color, almacenándolas como imágenes estables en blanco y negro (imágenes de haluros de plata), a fin de conservar y garantizar la transmisión de contenidos con imágenes en movimiento a largo plazo, como patrimonio cultural a las generaciones futuras. 
Albert Flaujat explicó detalladamente el funcionamiento del flujo de trabajo en archivos digitales y finalizó su ponencia hablando de la evolución hacia la revolución del almacenaje de la cinta, haciendo hincapié en la reducción del espacio físico, el aumento de velocidad, la integridad de datos superiores y mayor longevidad de la solución de almacenamiento. Manifestó que Fujifilm tiene un compromiso en la investigación y desarrollo de tecnologías que contribuyan a la protección y preservación del patrimonio de la Industria Cinematográfica.

Anna Baldris, responsable de Soluciones de Almacenamiento RM de Fujifilm España, fue la tercera ponente. Centró su presentación en “El cine y el entorno de broadcast: archivo de datos en cinta magnética LTO”. Citó la revista profesional Cineinforme que publicó un artículo en abril de 2017 en el que informaba que toda la filmografía de Pedro Almodóvar se conservará en cintas LTO por duplicado y almacenadas en dos edificios distintos para reducir al mínimo los riesgos de pérdida. Anna también explicó la evolución de la utilización de formatos de cinta en el entorno broadcast. Mostró comparativas de ayer y hoy en la producción, edición y archivo. En producción se ha pasado de una cinta pequeña de vídeo profesional a una tarjeta de memoria SSD; en edición de la tarjeta grande de vídeo profesional se ha cambiado a disco duro servidor; y en lo que respecta a archivo, de la cinta grande de vídeo profesional se ha dado un salto a cintas magnéticas tipo LTO. Anna Baldrís dijo las ventajas que ofrece la adquisición Librería SL-150 de Oracle: reduce el espacio destinado al archivo de datos.

Jordi Casas, director tecnico de Kelonik, cerró la tercera jornada del curso "La evolucion de la imagen cinematografica: del fotograma al cine en 360 grados" con su ponencia “Proyección de Cine Digital. Equipamiento inicial y desarrollo de las propuestas hasta el dia de hoy”. Gran experto en servicios en la exhibicion habló sobre las cabinas de cine, los proyectores y su evolución. Comentó la coexistencia entre el 35mm y el sistema digital, citando como equipos compartidos el sonido y los automatismos. Explicó las diferencias entre una cabina con proyector analógico de 35mm y otra digital. Adentrándose ya en la proyección digital enumeró como equipos imprescindibles el proyector digital, un servidor, un switch, un sistema de automatismos_ Jnior, un procesador de sonido y un sistema 3D, aunque éste último con interrogante. Destacó como partes importantes en un proyector digital el engine, la linterna, el router, el ICP, el LD y el IMB. Dio algunas nociones sobre el funcionamiento del DMB (Digital Micromirror Device), también dio algunos consejos sobre cómo instalar físicamente un proyector, mencionó la importancia de la tecnología Lens Shift, que permite mover el lente de izquierda a derecha o de arriba hacia abajo directamente dentro del proyector, obteniendo así flexibilidad en las opciones de despliego. Jordi Casas adelantó algunas novedades como la pantalla led, con una gran calidad de imagen pero que no requiere proyector o el NOC (Network Operations Center-Centro de Control de la Red), desde ese centro Kelonik, por ejemplo, puede controlar la proyección de todos los cines. A medida que llegaba el final de su intervención se hacía mayor la participación de los asistentes al curso y aportaba más información Jordi Casas asombrándonos a todos por el devenir de la tecnología y los grandes cambios que promete traer el sector de la exhibición que él conoce como la palma de su mano: pantallas, sonido, proyectores laser, etc.