jueves, 19 de julio de 2018

Barcelona, la fachada del cine. Pintura y séptimo arte


El Real Círculo Artístico de Barcelona acoge desde hoy, 19 de julio, y hasta el 12 de agosto de 2018 “Barcelona, la fachada del cine. Pintura y séptimo arte”’, una exposición que muestra el vínculo de la ciudad con el cine desde sus orígenes. Mediante una serie de acuarelas de las primeras salas de exhibición, aparatos de la historia y cuadros pintados por el propio Josep M. Queraltó, el visitante comprenderá la evolución de la técnica cinematográfica y el impacto que este invento tuvo en el desarrollo de la sociedad durante el siglo XX.

La Fundación Aula de Cine Colección Josep M. Queraltó ha seleccionado estas piezas para explicar la cara más social de la historia cinematográfica de Barcelona. A través de las acuarelas del artista catalán Josep Marfà, el visitante hará un recorrido por las salas más emblemáticas que ha habido en la capital catalana. Estos cuadros pertenecen a la colección de Josep M. Queraltó, considerada una de las colecciones privadas de cine y audiovisual más importantes de Europa, con más de 20.000 piezas.

La Fundación también ha incluido en esta exposición piezas y pinturas de objetos que permitirán al visitante comprender los antecedentes del cine a nivel técnico.

La capital catalana fue pionera en la asimilación del invento del cine. Hay que tener en cuenta la gran cantidad de salas que se abrieron para la exhibición de películas desde principios de siglo. Barcelona se convirtió en una verdadera 'fachada del cine'. Muchos de estos espacios lamentablemente han desaparecido, pero otros aún siguen en pie y también hay salas nuevas que han aparecido en los últimos años.

Ahora el sueño de Josep M. Queraltó es hacer realidad un gran proyecto museístico de aula de cine y audiovisual educativa, lúdica e interactiva para todo el mundo y que sea un referente en Europa.



miércoles, 18 de julio de 2018

Yvonne Blake, en los cielos




Ese es el lugar al que se merece estar esta figurinista inglesa (Manchester, 1940) afincada en España, reconocida internacionalmente por trabajos como “Nicolás y Alejandra” por el que obtuvo un Oscar en 1971, el filme de François Truffaut, “Fahrenheit 451”, “Jesucristo Superstar”, “Superman” o “Robin y Marian”. En España obtuvo cuatro premios Goya por “Remando al viento”, “Canción de cuna”, “Carmen” y “El Puente de San Luis Rey”. Ha estado nominada otras tres, la última por “Los Fantasmas de Goya”, con Javier Bardem y Natalie Portman.

Yvonne Blake fue nombrada Patrona de Honor de la Fundación Aula de Cine Colección Josep M. Queraltó el 21 de noviembre de 2013. El acto tuvo lugar en el Aula Magna de la Universidad de Barcelona (UB), después de finalizar una mesa redonda, “Los otros…del cine”, en la que participaba. Desde entonces la relación con ella ha sido excelente y amistosa. Fue una de las invitadas de honor a la inauguración del Espai Museístic del Cinema. Col·lecció Josep M. Queraltó en Vallbona de les Monges, el 4 de julio de 2015. Participó en el documental “JMQ, en busca de un sueño”. Ha sido una de las personas que más ha creído y ha apoyado nuestro proyecto museístico del cine y del audiovisual para todos los públicos.  Mi admiración y la de los miembros de la Fundación por su trayectoria profesional se convirtió también en una admiración hacia su persona por esa vitalidad, optimismo y ese sentido del humor tan “british” y esa risa contagiosa.

Su gran vitalidad, responsabilidad y gran amor al cine quedó patente en la aceptación de la presidencia de la Academia de las Artes y las Ciencias cinematográficas de España en 2016, sucediendo al actor Antonio Resines, donde en el poco tiempo que estuvo marcó las pautas para modernizar la Academia e internacionalizarla estableciendo vínculos con otras academias internacionales como la de Hollywood. Un ictus la apartó de la labor que realizaba en enero de 2018 dejándonos definitivamente el 17 de julio de 2018.

Siempre tendremos en nuestro recuerdo a Yvonne y su extraordinario trabajo realizado y no nos cansaremos de agradecer que aceptara ser Patrona de Honor de la Fundación. Su nombre siempre nos vistió y eso es lo que seguirá haciendo esté donde esté,  probablemente en los cielos con las grandes estrellas del séptimo arte.




















martes, 10 de julio de 2018

La Acadèmia del Cinema Català celebra la Festa d’Estiu con un nuevo formato


El 4 de julio de 2018 tuvo lugar en los jardines del Palacete Albéniz (Barcelona) la cita veraniega de la Festa d’Estiu, organizada por la Acadèmia del Cinema Català (ACC) que por décimo año congregó a los profesionales del sector cinematográfico y audiovisual, así como a representantes institucionales y personalidades de la vida social catalana.
La fiesta vino precedida por una Gala, presentada per la actriz Maria Molins, acadèmica i vocal de la junta, inspirada en su espectáculo CabaretA, que tuvo como protagonista el nombramiento de los seis nuevos Miembros de Honor de la Acadèmia, acto que hasta este año se celebraba en enero antes de la entrega de los premios Gaudí en el Palacete Albéniz. La gala fue retransmitida en directo a través de las televisiones locales de La Xarxa de Comunicació Local y las redes sociales de la ACC.  Los galardonados fueron: Pere Aumedes (exhibidor), Margarita Bernet (montadora), Pep Cruz (actor), Lluís Maria Güell (director y realizador), Pepita Pardell (animadora e ilustradora) y Mònica Randall (actriz). Estuvieron entre las autoridades la Alcaldesa Ada Colau, la Consejera de Cultura de la Generalitat, Laura Borràs, el diputado delegado de Cultura de la Diputación de Barcelona, Oriol Lladó, y el director del ICEC, Xavier Díaz.

Premio Pepón Coromina 2018
La Fiesta reunió como cada año a los miembros académicos y personas de la industria cinematográfica catalana para celebrar los éxitos del cine catalán de este año. En el transcurso de la misma, se hizo la entrega del Premio Pepón Coromina, que reconoce las actuaciones profesionales más arriesgadas y que en esta ocasión recayó en el D'A Film Festival. Lo recogió su director, Carlos R. Ríos.
El Jurado de esta 6ª edición del Premio estuvo formado por Marta Esteban, Sergi López, Elena Trapé, Iván Morales y Marta Molins, Presidenta Honorífica del Jurado.
Una edición más, miembros de la Fundación Aula de Cine Colección Josep M. Queraltó se apuntaron a la Festa d'Estiu, entre ellos el patrón de honor Juan Mariné, que se encontraba esos días en Barcelona asistiendo al curso "Imatges animades: história, producció i mercat", que patrocinaba la Fundación, dentro de los cursos de verano de Els juliols de la UB.


















lunes, 9 de julio de 2018

Última jornada del curso “Imatges animades: historia, producció i mercat” en Antaviana Films


El 6 de julio de 2018 se celebró la última jornada del curso “Imatges animades: historia, producció i mercat”, iniciado el 2 de julio en el marco de los cursos de verano Els juliols de la UB y patrocinado por la Fundación Aula de Cine Colección Josep M. Queralt . Consistió en una visita a Antaviana Films, empresa independiente dedicada a la Postproducción Audiovisual y creación de Efectos Digitales, formada por un equipo de profesionales con una larga trayectoria y un prestigio reconocidos en el sector.
Josep M. Aragonés, fundador de la empresa, dio la bienvenida al grupo de estudiantes, y explicó brevemente en que consistiría la visita a sus instalaciones. A continuación, Marc Dominici, montador y asesor de Postpproducción de Antaviana Films, hizo una introducción de lo que es la postproducción, de la manera de trabajar de la empresa: “quiere ser como un hub en postproducción. Funciona de una manera modular. Montamos y desmontamos las salas en función del proyecto en el que se trabaja”. Destacó que hay una parte creativa, pero hay otra muy importante metodológica. Reivindicó el trabajo que se hace desde la postproducción porque cada vez es más necesario, tiene más importancia en los presupuestos de una película. También aseguró que es preferible entrar en un proyecto desde su inicio en la fase de preproducción, asistiendo en el diseño de la postproducción y el workflow más adecuado en cada caso porque de esta manera se pueden solucionar problemas. Puso enfásis en el hecho de que “malas decisiones provocan un aumento del presupuesto”. Marc, en una de las definiciones de lo que es un montador, dijo que es un dominador de tiempos y reivindicó su papel como coordinador de la postproducción ya que el montador tiene una visión global de la película, lleva la gestión del material y de los efectos.
Después de ver las salas de postproducción de imágenes y de sonido, equipadas con las tecnologías más punteras para composición y efectos especiales, el grupo de alumnos se acomodó en la sala de proyección, dotada de SDI 2D y 3D y procesador Dolby 750, donde transcurrió el resto de la jornada, primero con la ponencia de Bernat Aragonés, montador y supervisor de efectos especiales, y luego de Josep M. Aragonés.
Bernat hizo un repaso de la evolución tecnológica de la producción y postproducción de imágenes hasta el momento actual. Hizo un resumen de su trayectoria profesional en el que ha tocado todos los palos, ficción, documentales, producciones estereoscópicas y animación, en películas como “Chico y Rita” o “Tadeo Jones”. Empezó recordando la película "S1mone" (2002), una producción de ciencia ficción, pero la realidad se ha mostrado más perversa y complicada de lo que anunciaba esta película. La realidad ha superado la ficción. En el cine ya hay actores digitales, los humanos digitales actuales no son el fruto de un científico loco, como en la película mencionada, sino el fruto de millones de euros destinados a la investigación en universidades, a la creación de equipos multidisciplinarios que han llevado a algo que parece real. Se pueden ver personajes digitales en "Avatar", "El señor de los anillos" y muchas más películas de las que uno puede imaginar. Las réplicas digitales están más presentes de lo que se piensa. "Esto nos lleva al sistema solar", afirmó Bernat, "es la fase final en la que nos encontramos. Los planetas van dando vueltas alrededor del Sol atraídas por la fuerza gravitatoria y acabarán siendo engullidos. Eso sirve de metáfora para entender que todo lo que puede ser digitalizado acabará siendo atrapado por los procesos de digitalización". Del original fotoquímico, después de 100 años, se han ido sustituyendo algunos pasos, como el telecine o el montaje con moviola, para dar paso a otros nuevos. A partir del año 2000 todos los procesos anlógicos, para bien o para mal, se han sustituido por procesos digitales. Esto ha pasado tanto en la parte de post producción como en la adquisición o captura de imágenes (cámaras) o en la exhibición. Desde el 2004 y hasta el 2015 se han digitalizado prácticamente todas las salas. Pues ahora también se digitalizan actores. La tendencia es hacer más y mejores píxeles. Del PAL se ha ido al HD, de los 4K se irá a los 8k. Cada vez la tendencia es hacer fotogramas más grandes. Se pueden almacenar fotogramas más grandes y que vayan más rápidos. Estándares que establecen un ecosistema que permite hacer toda una producción, captarla, post producirla, distribuirla en alta velocidad o media velocidad. Hay guerras de los fabricantes de displays. De manera rotunda, sentenció "Acabaremos en la Ultra Alta Definición, que se llama 4k y 8k. Se situará en los próximos 10 años, no durará mucho más".

Del concepto al rendering  
Bernat explicó las diferentes etapas o fases para llevar a buen puerto una película. Se empieza por la parte conceptual, que sirve también en animación. Hace referencia a la investigación. Es la parte creativa que dice que explicaremos y como lo explicaremos.  el storyboard y los previos y animáticos que servirán de guía en los procesos que vendrán después. Luego viene el rodaje, la supervisión del set, la creación de las imágenes, se producen muchas decisiones creativas; como se tiene que rodar la escena. El departamento de edición es la puerta a la postproducción. Reorganiza y canaliza al departamento adecuado todo el material que se ha obtenido. Los fondos, que vayan al departamento que trabaja los fondos; Las capturas de movimiento que vayan hacia el departamento de animación; las partes dramáticas hacia el montaje; el montaje construye la narración; que más hay en un estudio que produce efectos especiales, hay un departamento de producción que se encarga de gestionar las comunicaciones, los calendarios, los trabajos. Pipeline 2D hace referencia a las producciones en 2D, el DMP: madepainting, la creación de fondos, todo el trabajo de rotoscopia, el trabajo de recortar todos los elementos para segmentar una imagen; matchmove: a partir de una imagen en 2D extraer la información para una cámara virtual; procesos en 2D dentro del departamento de efectos especiales; la composición es un proceso artístico. Todos los elementos anteriores confluyen en la composición y en la creación de una nueva imagen y esto es común tanto en un backline, en un estudio de efectos digitales como en un estudio de animación; luego imágenes en 3D generadas por ordenador: modelar, sombrear, iluminar, animar, efectos; la última fase es el render, que significa presentación, la creación de la imagen final. No todas las producciones se aprovechan de todos los avances. El 3D implica dos masters. Afecta a la captación, es más material, más tiempo, más espacio. La evolución del 3D es la realidad virtual. La tecnología avanza, pero tenemos que superar muchas barreras.
Josep M. Aragonés tomó el relevo a Bernat para explicar con más detalle aspectos del 3D y la estereoscopía, tecnología de la que es un gran especialista después de años de investigación y desarrollo. Ha participado en numerosos proyectos europeos y ha trabajado con muchos niños haciéndoles numerosos tests. Para hacer más fácil la comprensión, proyectó varias imágenes reales en 3D. Josep Maria aseguró que “con el 3D hay que tener otra mentalidad, el concepto es diferente”.
Las intervenciones constantes de los alumnos hicieron que fuera una clase muy activa y que el tiempo pasara de forma veloz. La pasión de los dos ponentes, Bernat y Josep Maria, hacia la materia que impartían facilitaba su entendimiento y el seguimiento de los aspectos más técnicos. 








Coffee-break






viernes, 6 de julio de 2018

Gloria Bernabeu y Salvador Simó hablan sobre producción y dirección cinematográfica en el curso “Imatges animades: historia, producción i mercat” en la UB



La cuarta jornada del curso “Imatges animades: historia, producció i mercat” estuvo protagonizada por Gloria Bernabeu y Salvador Simó que hablaron sobre la producción en el cine de animación y la dirección cinematográfica respectivamente. 

Gloria Bernabeu resaltó el papel relevante de la producción de la que afirmó siempre es necesaria para organizar y gestionar cualquier proyecto. Puso algunos ejemplos para mostrar las diferencias en producción de tres modelos distintos de obra audiovisual. Por un lado una serie de televisión como puede ser “Cleo & Cuquin”, realizada en 2018, con un presupues de 6 millones de dólares, 24 meses de producción y 100 personas en el equipo, frente al largometraje Planet 51, en 2009, con 70 millones de dólares, 36 meses de producción, o Monsters University, con 200 millones de dólares, 48 meses de producción y 1000 personas en el equipo.

Después pasó a explicar y desglosar un plan de producción. En primer lugar, hay que hacer un análisis. Consta de un deadline o fecha límite de entrega del trabajo: es inamovible y primordial, el productor ejecutivo lo marca con el distribuidor o resto de coproductores, el plazo oscila entre 18, 24 y 36 meses; de que tipo se trata: si es una película o una serie de TV. Mientras en una película la duración puede ser de 90 minutos, hay deadlines intermedios para control + 1 Deadline final, los presupuestos son más elevados, las exigencias de calidad más alta y existe optimización aunque prima la calidad, en una serie de televisión los tiempos son  52x7’ , 23x26’, los deadlines son en diferentes entregas a televisiones, los presupuestos son más ajustados, la calidad es estándar  hay optimización para reducir coste; que estilo y diseño tiene: cartoon, realismo, pelo, efectos especiales, tipo de personajes, etc; la técnica que se utiliza: 2D o 3D, en el caso de 2D puede ser Full animation: más peso en la animación, clean up y color o Cut out:  más peso en preproducción (rigg 2d). La animación es más rápida; en el caso de 3D la preproducción es más larga, se produce una adaptación del 2D al 3D, hay modelado y Rigging, se aplica el test de look, el render, etc. Otra parte a tener muy en cuenta es el guión: hay que considerar el tiempo de las escenas y dificultad; la cantidad de backgrounds, personajes y props, los personajes en plano, la realización de efectos especiales, las voces y músicas. El presupuesto de vital importancia: hay que saberlo gestionar, controlar el cashflow debido al incremento del equipo: tiene que haber un margen de actuación para contingencias. Hay que saber en lo que se puede optimizar y no, ya que el producto final importa.
El segundo aspecto del plan de producción es el planteamiento, que incluye bel calendario, el equipo artístico y técnico, los recursos técnicos, la logística,  la metodología (pipeline): sistema de trabajo y comunicación.
El equipo de producción lo integra el director de producción/Line producer; el jefe de producción, el supervisor de producción y el coordinador de producción.
También explicó las fases de la producción: preproducción (diseño, storyboard y animática, modelado, shading y texturas y layout), producción (animación y fixing, character fx, iluminación, render, composición ),  y postproducción.
Enumeró como principales habilidades de un productor la organización, el liderazgo, la anticipación, la comunicación, la adaptación y la resolución de problemas.
Finalmente destacó como diferencias entre una serie de televisión y una película: el número de productores catalanes bastante elevado haciendo series de televisión; resulta más factible encontrar financiación de series que de películas debido a los presupuestos; hay más plataformas de emisión y posibilidad de realizar coproducciones internacionales.
Cerró la cuarta jornada del curso Salvador Simó que se ha estrenado como director de animación con la película “Buñuel en el laberinto de la tortuga”.
Inició su ponencia analizando la diferencia entre animación e imagen real. Explicó lo que es animación, que requiere un guión, una planificación, una grabación de voces, STB, animática, producción y edición, que tiene en paralelo unos efectos especiales apoyados también por un guión, planificación, previz, animática, rodaje y producción vfx y edición. La imagen real parte de un guión, una planificación, ¿STB?, rodaje, postproducción y edición.
Valoró el hecho de que la animación carece de los egos de la imagen real, no hay alfombra roja.
Respecto al guión afirmó que nuestra historia hay que hacerlo personal para que sea original y que el director es quien cuenta la historia. Para inspirarse para hacer un guión hay que buscar en las propias vivencias, en nuestro pasado. Toda gira entorno a sobre qué hablamos. También hizo referencia a la censura que nosotros mismos nos aplicamos.
La animación y la imagen real tienen un lenguaje cinematográfico lo que varía son las técnicas que se emplean. La técnica de rodaje es diferente, la cámara es la misma.
En animación se emplea Animation 2D, Animation 3D o CGI, Stop Motion y Motion Capture. En cuanto a la forma hay que considerar el encuadre, la composición, la edición, el ritmo, acting-staging, el color y el sonido/música.
Salvador Simó aconsejó que para hacer un buen trabajo hay que ir con los deberes hechos y no dejar nada a la improvisación (tener el guión acabado, el story board, etc.)