miércoles, 17 de julio de 2019

Fallece el artista plástico hispano-brasileño Otto Cavalcanti


El artista plástico hispano-brasileño Otto Cavalcanti falleció el pasado 12 de julio a la edad de 89 años en Barcelona tras una larga enfermedad.
Otto Cavalcanti nació en Itabaiana, en el noroeste de Brasil, en 1930. Se inició artísticamente como ilustrador publicitario en Río de Janeiro en 1952. Sus temas favoritos, que le acompañarán a lo largo de su dilatada carrera, son la música, la robótica, la naturaleza, y la figura humana.

En 1963, viaja a Europa. Reside en Madrid de 1963 hasta 1968 donde pinta y expone sus obras. Luego reside dos años en Londres (1968-70) donde continúa trabajando y exponiendo, Realiza una Exposición en la Galería Adinsell de Londres en 1969 con crítica de Sheldon Williams, entre otros. Las formas geométricas que surgen en su etapa londinense introducen rasgos antropomorfos -Robot Humanoide (1974)- que evolucionan hasta crear lo que se dará en llamar un nuevo estilo el Combinismo de Formas Visuales, sintetizado en un Manifiesto que Otto Cavalcanti publica en el diario barcelonés La Vanguardia en 1977 con una crítica elogiosa del escritor y crítico de arte Daniel Giralt Miracle. A Londres le siguió Paris, donde hizo una exposición en el Grand Palais en 1970. Viajó por varios países de Europa y se instaló finalmente en Barcelona en 1970, donde se consolida artísticamente y entra en contacto con las vanguardias en Cataluña, se integró en la denominada Gauche Divine frecuentando los locales de moda como Bocaccio junto a uno de sus mecenas Ramón de Batlle. Compartió momentos inolvidables con el Grupo de artistas Dau al Set, integrado por Tàpies (quien luego renegó del grupo), Brossa, Cuixart y Joan Ponç creadores de una pintura surrealista con una identidad propia.

En 1984 viajó invitado a Brasil para una estancia de tres meses que se convirtieron en 12 años que culminó con una gran exposición en la Universidad Federal de Ceara (UFC). Del reencuentro con su cultura y su geografía surgió una pintura innovadora llena de estímulos. Allí combinó la pintura y el dibujo con la escultura y realizó conferencias sobre arte. Pintó grandes murales e introdujo nuevas técnicas y materiales.

En 1996 regresó a Barcelona, una ciudad postolímpica y renovada. La capital catalana es una de sus ciudades más queridas, la que más le atrae cuando se ausenta de su tierra natal. Siempre se sintió a gusto con su gente, su cultura y su clima, factores que le permitieron seguir desarrollando su larga e intensa trayectoria. Con la madurez de su lenguaje pictórico, su obra se volvió más colorista y personal. En las acuarelas los elementos se metamorfosean en una amalgama de fauna y flora que mezcla sus temas clásicos, sus recuerdos de infancia y sus vivencias de viajero cosmopolita, todo ello en medio de un clima tropical con mucho sol, calor, energía y vegetación selvática.

Entre el 2002 y el 2004 realizó tres exposiciones individuales en Casa Amatller.

En el año 2005 pintó una serie de cuadros inspirado en el séptimo arte como resultado de su encuentro con el técnico cinematográfico y coleccionista Josep M. Queraltó, nacido en Vallbona de les Monges (Lérida). Algunos de estos cuadros se han expuesto en exposiciones de material de cine realizadas por Queraltó, entre otras, en la Sala Fortuny del Centre de Lectura de Reus (2006), en la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España (del 20 de diciembre 2007 al 28 de enero de 2008) y en el Espacio Cultural TRAMART (del 1 de marzo al 2 de abril).

A partir de 2006, combina estancias en Paraíba (Brasil) y Barcelona, llegando a realizar obras en Pernambuco y Ceará y exposiciones en la Galería Archidy Picado, el Espacio Cultural en João Pessoa, la Fundación Casa de José Américo, el Centro Cultural Ariano Suassuna y la sede del Gobierno Municipal de Itabaiana.

Durante su estancia en Barcelona, Otto hizo exposiciones en 2008 – “Homenaje a mi amigo Cuixart” en el Taller Cuixart-Barcelona-, en el 2009 en la Galería Gaudi en Madrid, en Gallery Gora de Montreal (Canadá), KunStar en Bolzano (Italia) y la sala de exposiciones del Club Náutico de Salou.

Otto Cavalcanti fue nombrado caballero del Estament de Cavallers Hospitalaris de Sant Jordi en noviembre de 2013, como reconocimiento a su larga trayectoria profesional y su vinculación cultural con Cataluña, y fue investido caballero Gran Placa de la Imperial Orden Hispánica de Carlos V en una ceremonia celebrada en el histórico recinto de la Sala de Reyes del Alcázar de Segovia el 15 de noviembre de 2014.

En 2009 María Luisa Pujol y Otto cavalcanti firmaron un documento notarial por el cual ella se convirtió en su marchante. Sobre él opinaba: "Es un gran artista gráfico, dibujante y un pintor colorista muy imaginativo, inquieto e innovador. Se movió en varias lineas de trabajo buscando siempre la perfección que sabía que nunca alcanzaría pues consideraba que era enemiga de la acción y él tenía claro que su trabajo artístico no tenía fecha de caducidad". Como persona destacó: "era optimista, vital, de una alegría contagiosa, extrovertido, sencillo, un alma libre, con un gran sentido del humor. Tuvo su corazón dividido entre Itabaiana, su ciudad natal, Paraíba, Barcelona y el Mediterráneo. Era amigo de sus amigos y tuvo una rica vida social".






















lunes, 15 de julio de 2019

El curso “Cine, comunicación y marketing” de la Universidad de Barcelona finaliza con una visita a Antaviana Films




La última jornada del curso "Cine, comunicación y marketing”, organizado por la Fundación Aula de Cine Colección Josep M. Queraltó, en el marco de Els juliols de la UB, sustituyó el edificio histórico de la Universidad de Barcelona por Antaviana Films, como en anteriores ediciones, una de las compañías independiente dedicada a la Postproducción Audiovisual y creación de Efectos Digitales punteras de España.
Josep M. Aragonés, fundador de la empresa, dio la bienvenida al grupo de alumnos, y explicó brevemente quien era, la trayectoria, objetivos de la empresa y una reivindicación: la tecnología debe estar a nuestro servicio y no al revés. A continuación, pasó la palabra a Marc Dominici, montador y asesor de Postproducción de Antaviana Films, que fue el encargado de hacer de guía por las instalaciones de la empresa. Antes de iniciar el recorrido quiso destacar que algo importante que todos han aprendido de José María Aragonés y de la empresa que ha fundado es sentir un gran amor por este trabajo y mucha dedicación a veces en detrimento de conseguir una rentabilidad económica. “La película -afirmó Marc- es una creación grupal en la que hay que aparcar los egos y sumar todos para que ésta salga adelante”. Uno de los hechos que han caracterizado siempre a Antaviana es la búsqueda constante de la innovación, lo que les ha llevado en muchas ocasiones a ser los primeros en todo, como por ejemplo, cuando fueron los primeros en hacer una retransmisión en directo en 3D.
Durante la visita a los diferentes departamentos de Antaviana, Marc hizo una parada en producción y destacó el dominio técnico del equipo que trabaja en esta área, que procede del montaje, formado íntegramente por mujeres.
Destacó que hay una parte creativa, pero hay otra muy importante que es la metodológica. Después de hacer un recorrido por las salas de postproducción de imágenes y de sonido, equipadas con las tecnologías más punteras para composición y efectos especiales, el grupo de alumnos se acomodó en la sala de proyección, dotada de SDI 2D y 3D y procesador Dolby 750, donde transcurrió el resto de la jornada, con las intervenciones de Montecarlo y Marc Dominici sustituyendo a Bernat Aragonés que no pudo estar a última hora. Montecarlo, storyteller, cineasta y arquitecto transmedia, tituló su ponencia “Transmedia, Marketing, Cine”. Empezó explicando lo que es transmedia y lo hizo mostrando un esquema muy conocido realizado por Robert Pratten. “Es construir una narrativa a través de diferentes piezas que normalmente se corresponden a diferentes medios. Venimos de un relato de mono medios, una novela, una obra de teatro, una película, que se da en un solo medio y que empiezan y acaban”. Después, Montecarlo, hizo un repaso histórico sobre algunos conceptos transmedia. El primero en mencionar fue el spin off en los comics: empezó con la aparición de personajes como Batman y como con el tiempo aparecen títulos paralelos al título original contando otras historias- esto es lo que se conoce como spin off:  “un spin off es cuando de una historia, de un eje troncal de repente surge una historia que se desarrolla en paralelo, como una rama que sale de ese tronco. Eso sería, por ejemplo, las aventuras de Batman y Robin, que son nuevas aventuras que ocurren en el mismo universo con la existencia de algo muy importante que es la coherencia narrativa. El spin off es uno de los típicos conceptos que se utilizan en transmedia porque cuando estamos generando muchas piezas a menudo una funciona como eje troncal y luego hay derivadas”. Otro ejemplo que puso de spin off es la aparición en una de las historias de Batman del personaje de Catwoman que con el tiempo sería protagonista de su propia historia. Montecarlo ha puesto el ejemplo del comic porque es el más habitual y fácil de ver como se ramifica, aunque no es el único “si cogéis la comedia humana también ocurre. Vais cogiendo novelas y de repente el personaje secundario de una novela se convierte en el protagonista de otra así hasta tener 145 volúmenes diferentes con historias que se entrecruzan de algún modo”. El conjunto de todas las historias genera un universo narrativo. Citó el ejemplo de The Avengers (Los Vengadores) de Marvel. El siguiente concepto transmedia que citó Montecarlo fue el de los cross overs, “mientras el spin off es un derivado el cross overs es un cruce”. Puso el ejemplo de unir en una historia de comic dos personajes como pueden ser Superman que viene de la licenciatura de DC y Spiderman de Marvel. Se unen dos universos. Se busca un argumento que una a estos dos personajes. Otro ejemplo que puso fue un comic en el que se encuentran Superman con un personaje del mundo real como es el boxeador Muhammad Ali para los que no han leído esta historia Montecarlo hizo un spoiler “gana Muhammad Ali porque es humano, Superman no deja de ser un alienígena. Entonces la voluntad humana siempre puede con todo”. Los cross overs generan narrativas muy complejas, pero también permiten participar de ellas o estar con ellas durante más tiempo y de una manera mucho más intensa”. “Cuando una historia nos gusta -explicó- nos encariñamos con ella y nos gusta estar con ella, con sus personajes”. Siguiendo con la evolución histórica Montecarlo llega a la era Internet y el nacimiento del marketing digital que define como “la técnica del marketing tradicional aplicado a la red”. Puso como ejemplo de una campaña de marketing la que se hizo con la película “El proyecto de la bruja Blair” (Eduardo Sánchez, Daniel Myrick-1999). Distribuyeron páginas web que no tenían enlaces entre ellas, lo que lo hizo más interesante, en las que se hablaban del bosque, de la bruja, de los asesinatos, y espolvorearon la red con una serie de informaciones fragmentadas que creó muchas expectativas alrededor del proyecto para que cuando la gente lo buscara en la red fuera encontrando cosas. “Fue mucho más interesante la campaña que se hizo de la película que la propia película”. Fueron los primeros en hacer este tipo de campaña, de guerrilla digital (baratas y muy eficaces), que después se ha visto más veces. Otro ejemplo que puso fue la campaña que se hizo en la película “Distrito 9”. Fue un marketing muy de guerrilla, en la calle, y lo que buscaban era trasladar el mundo de ficción al mundo real. Fue una campaña multiplataforma. “Toda plataforma es buena si tiene sentido que se utilice” manifestó Montecarlo. Las campañas se fueron customizando en función al público que se dirigía. Se busca otro tipo de estrategia para involucrar a la gente. Es una manera de generar expectativa. Otro ejemplo de campaña fue la que se hizo un año y medio antes del estreno de “Jocker”. Otros conceptos que citó Montecarlo al transmedia fue fan fiction: “ficción generada por fans”, son montajes audiovisuales que hacen los fans de sus películas y series favoritas. La narrativa sale del canon y la genera el fan.  Puso de ejemplo uno de “Star Treck”. Hay empresas que no lo entienden y lo persiguen como la autora de Harry Potter quien al final tuvo que ceder porque sus abogados le desaconsejaron que demandara a los fans ya que resultaba inviable. Otro tema que trató Montecarlo fue el product placement no es necesariamente transmedia pero es una manera de promocionar un producto a través de una inserción en una ficción. Puso como ejemplo una película de James Bond “tiene un presupuesto de más de 200 millones de dólares, y cuando se estrena antes de vender un solo ticket ya tiene amortizado un 85 por ciento de la película gracias al product placement que es la colocación de un producto cuya marca se ve claramente y se inserta en una narración que no es propia de esa marca”. Finalizó su intervención haciendo referencia al branded content que “es generar una propia narrativa desde la marca pero la intención no es vender un producto, la intención es transmitir una narrativa que normalmente lo que hace es transmitir los valores de la marca”.


La publicidad desde el punto de vista de la postproducción
A Montecarlo le siguió de nuevo Marc Dominici que presentó la ponencia “La publicidad en el cine. Una mirada desde la postproducción. “Montecarlo ha hablado de promoción de películas con elementos que no son propios de la película, yo hablaré de elementos promocionales que se hace con material propio de la película”, a continuación, hizo una introducción de lo que es la postproducción haciendo especial hincapié en el cambio de fotoquímica a digital “que lo ha cambiado todo. Con el analógico todo era lineal, con el digital todo es simultáneo lo que da más velocidad”. Por otro lado, explicó Marc, el digital hace que el proceso sea más complejo porque permite sacar material antes de acabar la postproducción “Antes acababas la película y sacabas el tráiler, ahora antes de finalizar puedes sacar cuatro o cinco piezas diferentes y a la hora de hacer el DCP, el archivo de cine digital, hemos llegado a sacar hasta cinco DCP’s de una misma película, una para Venecia, Otro para San Sebastián, otro para Cannes…a medida que la película va estando grabada, con lo cual todo esto genera una complicación que hay que gestionar”. A Marc le gusta especialmente la parte artística de este trabajo, pero “a mi me toca ser el poli malo que es hacer la parte metódica, esto está bien, esto no, esto hay que quitarlo. A la hora de contratar colaboradores free-lance hay que tener muy en cuenta las dos partes, la artística y la metódica. Si falla la metódica todo se complica”.    
También reivindicó la ampliación del papel de la postproducción en el proceso de una película “Tenemos que estar desde la fase inicial, podemos ahorrar costes al productor, y podemos decir cómo se puede rodar. No queremos ser los raros que estamos encerrados en cámaras oscuras. Cada vez más Bernat y nuestro jefe de efectos van a los rodajes para asesorar de como deben hacerse las cosas”. Un trabajo mal rodado, afirmó Marc, puede suponer quince días más de trabajo lo que supone un mayor coste. “Cada vez más iremos cogiendo protagonismo porque la postproducción tendrá más peso en el proceso de una película”. Marc también reivindicó la figura del montador ya que es el primer supervisor de la postproducción. El que genera los materiales para la postpo. Dentro de la estructura digital de la postproducción se encuentra el meta data que son los datos que hacen referencia a los archivos. Habló de lo que es el hub “en informática un hub es una cajita que tiene tropecientos USB,s para conectar al ordenador sin perder velocidad, nosotros queremos ser el hub, un sitio en el que todo pivote a su alrededor. La postproducción, entrar en la preproducción, la exhibición, hablamos con los exhibidores como en el festival de cine de San Sebastián, que estamos revisando alrededor de 400 pases en diez días, que es muy laborioso, pero nos da mucha experiencia a nivel de exhibición, hablamos mucho con distribuidores “tenemos un plan o un sistema para guardar y gestionar de forma rápida todo el material de distribución”, y hablamos con productoras.
Marc también habló de la resolución de la imagen, de la alta definición, del 2K, el 4K. En este punto José María Aragonés añadió un comentario “ahora ya no estamos hablando de la cantidad de pixeles, dentro de unos años volveremos a multiplicarlo, sino de la calidad del pixel, del número de bits que tiene cada pixel. Marc preguntó ¿Y que son los bits? Blanco y negro son dos bits, cuando uno pone en el ordenador 16 millones de colores plus son 2 a la 16, es una brutalidad. A partir de 12 bits o un poco más el ojo no aprecia la diferencia. Si me preguntas ¿por qué lo hacéis hasta 16 o más? Pues para conservar el máximo de calidad porque algún día, en un futuro, habrá televisiones que si lo interpretarán, nosotros tenemos que ir siempre más adelante”. Marc explicó lo que es un diagrama de flujo del sistema de cine digital una vez acabada la postproducción: “hacen los masters con los niveles de resolución, se empaqueta todo en un disco encriptado para hacer cine digital, se transporta vía aéreo, físico, ahora hay algunas compañías que lo hacen por el caño de Internet, después hay unos ficheros, desencriptación, descompresión, y lo ven en el cine (procesado de imagen y óptica). Marc criticó en un momento de su intervención la intención de La Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de USA eliminar de los premios Oscar el montaje, en cambio cada vez pedimos más que aparezca el mejor color o colorista compartido con el premio de director de fotografía.
Finalmente mostró algunos ejemplos de cómo se hace la promoción de la película con material de la película o no. En primer lugar, mostró como se presenta un dossier de una película, después explicó lo que es un teaser, que algunos confunden con un tráiler, “son imágenes rodadas en un día o dos, expresamente que sirven para conseguir financiación para la película, y también mostró una serie de tráileres que sirven de promoción una vez acabada la película.

Montecarlo, Marc Dominici y Antaviana Films
Montecarlo tiene el Doctorado en Ciencias de la Información (URL), con una tesis en estructuras narrativas de contenidos audiovisuales, Máster oficial en Cine y Televisión (URL) y es licenciado en Bellas Artes (Universidad de Barcelona).
Con más de veinte y cinco años en el mundo de la comunicación, actualmente está al cargo de las estrategias creativas y de desarrollo a Efímero Films, de la que es, además, director y miembro fundador. Es profesor asociado en la Universidad Ramon Llull, de Elisava Escuela de Diseño e Ingeniería de Barcelona y de Escuela Internacional de Cine y Televisión (en Cuba). Es consultor independiente en Storytelling organizacional y procesos disruptivos, además de miembro de varios grupos de trabajo sobre transmedia internacionales. Actualmente es consultor internacional de Proimágenes Colombia New Media Program y miembro de Innovación Audiovisual (grupo interdisciplinario de difusión de nuevas tecnologías aplicadas al audiovisual). Ha dirigido cortometrajes y series de animación. También ha diseñado exposiciones, juegos y aplicaciones interactivas. Ha creado cómics y ha estado al cargo de diseño editorial para varias compañías.
Como autor, ha publicado muchos libros y, a 55menudo, colabora con medios online especializados, escribiendo sobre transmedia, storytelling, experiencia de usuario, branded content y cine. Combina su trabajo con conferencias, talleres y formación.
Marc Dominici es supervisor de postproducción de Antaviana Films. Es montador con talento y criterio propio con más de 15 años de experiencia en proyectos de cine, documentales, televisión y publicidad. Entre sus trabajos como montador destacan el documental “En busca del futuro perdido”, “Fill de Caín”, “Rocktronic 2012, “Sólo química”, “Más negro que la noche”, entre otros. Ha participado en trabajos estereoscópicos en “Llits 3D”, “XP3D” o “Tadeo Jones”. Ha desarrollado trabajos de montador y supervisor de postproducción en varios proyectos.
Antaviana Films es una empresa independiente dedicada a la Postproducción Audiovisual y creación de Efectos Digitales, formada por un equipo de profesionales con una larga trayectoria y un prestigio reconocidos en el sector: algunos llevan más de 20 años trabajando juntos, otros son incorporaciones que aportan puntos de vista diferentes, vanguardia tecnológica, experiencia internacional y el talento y las inquietudes de las nuevas generaciones.












En el curso coincidió un equipo de rodaje de un documental sobre Juan Mariné que se había citado esa mañana para hacerle una entrevista en Antaviana Films.


viernes, 12 de julio de 2019

Cuarta jornada del curso “Cine, comunicación y marketing” con A Contracorriente Films y MovieDis



La cuarta jornada del curso “Cine, comunicación y marketing”, que organiza la Fundación Aula de Cine Colección Josep M. Queraltó, en el marco de Els juliols de la UB, contó con la participación de Adolfo Blanco, distribuidor, productor, exhibidor y fundador de A Contracorriente Films,y de Josep Andreu Vilella, director de Publicidad de Discine Barcelona.  
El primero en intervenir fue Adolfo Blanco, que inició la jornada con su ponencia “Distribuir cine en tiempos de plataformas”. En primer lugar quiso informar a los asistentes quien era “a lo que me dedico es a encontrar buenas películas, si hace falta nos metemos en producción pero nuestra intención es llevar al público buenas películas”. Respetando todas las profesiones dentro del negocio del cine, la distribución tiene una gran ventaja y es que te permite estar trabajando simultáneamente en docenas de productos”. Respecto a su empresa manifestó “En A Contracorriente Films no llegamos a 11 años como proyecto y ya tenemos 1.500 películas en el catálogo, es decir tres películas por semana. Lógicamente la mayoría de esas películas no han pasado por salas”. Para Adolfo marketing y distribución es prácticamente lo mismo. “Al cine hay que ponerle pasión de lo contrario no funciona. Distribuir cine en plataformas nos obliga a entender lo que son las ventanas de distribución”. Enumeró las plataformas existentes en la actualidad Filmin, Movistar Plus, Netflix, Oleflix, Amazon, HBO, Disney presentará una nueva en noviembre, Warner HBO presentará una nueva en mayo de 2020. Si Movistar pierde Disney y Fox, la cadena pierde un 40 por ciento de su oferta. No todas las personas se abonarán a todas las plataformas, no hay bolsillo que lo soporte. Con el tiempo las plataformas ofrecerán productos similares. Cada plataforma tiene su estrategia. “Las plataformas vienen a sustituir los videoclubs” aseguró Adolfo Blanco, así como “Al final lo que buscamos los productores y los distribuidores es que las películas lleguen al máximo público posible”. Para Blanco, “La buena noticia de distribuir cine en tiempos de plataformas es que, gracias a éstas, en parte, el pirata está cada vez más aislado y el espectador puede ver más cine”. Las ventanas en el mundo del cine son los canales de ventas. La primera explotación de una película, la primera ventana es la sala de cine, allí se pasa la película durante unos cuatro meses; la siguiente ventana, la película se podía ver en los videoclubs (homevideo) en dos modalidades alquiler (rental) y, tres meses más tarde, venta directa (sell-through). La siguiente ventana, al cabo de 12 meses, es la televisión que primero entra en venta directa y luego en free, o lo que es lo mismo canales en abierto. En pay hay dos modalidades premium y pay demand. En pay estaban los canales de Sogecable y Telefónica. Los canales temáticos surgen con la primera guerra de las televisiones. Hace 15 ó 18 años es cuando surgió la oferta de Telefónica que entra en el juego de la televisión de pago. Adolfo Blanco sentenció “el trabajo del distribuidor es administrar las ventanas. Cada película tiene su camino. Para administrar bien las ventanas hay que entender muy bien el producto”. Con cierto enojo, Adolfo aseguró “lo que el distribuidor ha hecho mal desde la aparición de las primeras distribuidoras a principios del siglo XX, es decir hace 100 años, es el tema semántico. Curiosamente los que nos dedicamos a comunicar hemos sido los peores comunicadores del mundo y creo que el negocio del cine que es comunicación comete errores bastante gordos. ¿Por qué las editoriales son editores y nosotros somos distribuidores si el trabajo es el mismo? Pero el editor socialmente es un hombre respetable y el distribuidor es considerado un intermediario que sólo mira por el dinero”.
Y añadió “el mayor disruptor de este modelo es Netflix”. A Contracorriente Films ya colaboró con Netflix en la película “Fe de Etarras” y lo volvió a hacer en la película “Roma”. “Para nosotros -explicó Adolfo- Netflix es una plataforma con mucho dinero y con acceso a muchos espectadores. Si Netflix me guiña un ojo tengo mucho más que ganar que perder. Por eso aceptaron hacer un experimento con esta plataforma y lo hicieron con la película “Fe de etarras” cuando se lo pidieron y más tarde con “Roma” que fue un gran éxito. Netflix ha comprado recientemente el cine Egyptian de Los Angeles. El festival de Cannes prohibió la entrada a Netflix. El festival de Venecia sin embargo no secundó esta prohibición.
Netflix viene del rental, era un videoclub, de Estados Unidos, explicó Adolfo y “lo que ha hecho es crear un club a distancia hace unos 15 años parecido al círculo de lectores. Con el tiempo fue creciendo hasta convertirse en la actual plataforma. ¿Que han conseguido? Millones de cinéfilos”.
Las majors implementan su estrategia en todos sus territorios.
Distinguió dos tipos de distribuidor, el de las majors y los grandes estudios, que se encuentran en Estados Unidos (Metro Goldwyn Mayer, Sony, Paramount Pictures, Warner Bros, Unidos), y el independiente. El primero tiene dinero, notoriedad. El cine independiente es el que se hace al margen de los grandes estudios. Aunque luego los estudios adquieren las películas independientes que les gusta. Los estudios han creado sus marcas paralelas para adquirir producto independiente. Adolfo insistió en que “un distribuidor se la juega constantemente y tiene que comprar bien, debe apostar por un producto que tenga un mercado y lanzarlo bien, saberlo promocionar.

A Adolfo Blanco le siguió la última hora de la cuarta jornada Josep Andreu Vilella, un apasionado del cine, pero a diferencia de su predecesor, de la exhibición. Desde muy temprana edad tuvo muy claro que su vida profesional estaría vinculado a esta profesión. Su ponencia, titulada “La publicidad en las salas de cine”, ahondó en uno de los aspectos menos conocidos del cine, la financiación de las salas. Como explicó, gestionar la publicidad del medio cine no sólo requiere unos conocimientos de publicidad sino también saber cómo se va a estrenar una película, como va a abrir una película, que campañas de marketing va a llevar la película, en que locales se va a meter la película. Hizo una breve introducción sobre el nacimiento del cine un 28 de diciembre de 1895 en Paris con las primeras proyecciones de las películas de los hermanos Lumière. Proyectó un fragmento de “El regador regado” considerada la primera historia de ficción del cine y destacó el importante papel de Georges Melies en la continuidad del cine gracias a sus trucajes y efectos especiales. Mostró un gráfico en el que aparecía con detalle la evolución de la exhibición cinematográfica y como en 1966 ya decrecía el número de salas y de espectadores en España. En ese año había 7.322 pantallas y 403 millones de espectadores frente a las 1.791 pantallas en 1993 y 92,4 millones de espectadores. A partir de ese año llegarían las multisalas en toda España produciéndose un aumento de pantallas y de espectadores. Basándose en los datos, Josep afirmó que el cine está en crisis desde 1950. La primera crisis se produjo con la llegada de la televisión, la segunda fue la aparición del seiscientos, y la gente prefiere salir fuera, al campo o a la playa a pasar el día. A medida que la gente tiene más distracciones va menos al cine. En 1980 apareció el vídeo, representó una nueva crisis del cine, surgen los videoclubs, empieza la piratería, En 1985 se crean las primeras multisalas, son las de primera generación que consiste en reconvertir cines en varias salas. En 1993, que es cuando empieza a repuntar el número de espectadores, es cuando se crean las multisalas de segunda generación, son los gran des complejos  como Kinepolis de 10 pantallas, etc. En 1997 se empieza a notar los efectos de la piratería, de las descargas. España se convierte en el tercer país con más descargas en el mundo, incluye el cine, las series de tv y la música. Pero a pesar de este hecho, empieza a crecer el número de espectadores, empieza el cine digital, aparece el DCP, y los más interesados en esta nueva tecnología y en su implantación fueron los distribuidores. En los últimos tres años el número de espectadores en el cine se ha quedado en 100 millones. Por eso Josep cuando se dirige a las agencias les dice que el cine es un medio que tiene una audiencia de 100 millones de espectadores. Las agencias de medios gestionan la publicidad de los medios convencionales y no convencionales. La inversión que se hace en cine en España es mucho menor que loa que se hacen en países como Italia o Francia. Ante la pregunta que le plantean a Josep ¿Por qué poner publicidad en el cine? el responde porque es un entorno cerrado, espectacular, más emocional que racional, y frente a los medios publicitarios audiovisuales, el cine es el medio que mejor transmite las emociones y el que consigue más empatía con las marcas. Un spot en cine capta la atención del público porque está cautivo, esto significa una mayor visibilidad de una marca. El cine es un medio auditable al 100 por cien y así lo refleja la empresa Comscore. Una única exposición es efectiva, en televisión un spot debe pasarse más veces para que tenga visibilidad. Mayor persistencia del recuerdo. Proporciona buena imagen de marca, apoyado en creatividades muy cuidadas y formatos atractivos. Mayor calidad del recuerdo publicitario, y sobre todo, mayor incitación a la compra del producto anunciado.
Respecto a la audiencia del medio cine en España el sábado es el mejor día de la semana, cuando asiste más público. El miércoles, día del espectador, también sube notablemente la asistencia de la gente. El cine no tiene estacionalidad, la estacionalidad la marca las películas. Josep remarcó que “si tienes película la sala está llena, si no tienes película está vacía”. Habló de las campañas “generales” con MovieDis para que se inserte publicidad en las salas de cine. Valores añadidos a la producción. 5 razones para que tu marca ame el cine: son los argumentos que los cines venden siempre a las centrales para que pongan publicidad: una medición precisa de la audiencia, el circuito MovieDis Media Cine, es un circuito líder tanto por número de pantallas (2.026 en toda España) como por espectadores del medio cine en España (54% cuota de audiencia total España). Algunos de los circuitos de Discine: Cines Renoir, Grup Balaña, Ocine, Cines Fimax, Odeon Multicines, etc. Josep estableció una definición de la palabra Cinema jugando con cada una de las letras: Compartir, Inmersión, Narración, Experiencia, Motivación y Atención.

Distribución y exhibición
Adolfo Blanco es licenciado en Filología Hispánica por la Universidad Complutense, MBA (Master in Busines Administration-Máster Universitario en Dirección de Empresas) por el IESE y Caballero de la Orden de las Artes y las Letras de Francia. Ha desarrollado su carrera profesional en los sectores editorial y cinematográfico, tanto como productor como distribuidor, en empresas como Filmax, DeA Planeta, Notro Films y A Contracorriente Films. Desde 1992, ha adquirido y estrenado en cines de España más de 400 películas, entre las que destacan títulos como El pianista (Roman Polanski), Shutter Island o Intocable.
En los últimos años ha estrenado éxitos como Dios mío, Pero ¿Qué te hemos hecho?, Nuestro último verano en escocia, Mañana empieza todo, Ballerina, ¡C’est la vie!, Sin rodeos, El mejor verano de mi vida o La librería de Isabel Coixet.
Además de distribuidor y productor, Adolfo Blanco también participa en el negocio de la exhibición, siendo el principal accionista de las cadenas de cine Conde Duque y Verdi.
Josep Andreu Vilella des de muy temprana edad, a los 2 años, ya subía por la cabina del cine que su padre regentaba en Begues (Barcelona). A los 7 años, empezó a aprender el funcionamiento de una cabina cinematográfica y a los 9 años pasaba mucho tiempo en la cabina del cine Plaza de Castelldefels. Estudió Bachillerato superior y COU, pero el cine era su "pasión". Poco a poco fue conociendo todos los "secretos" del mundo de la Distribución y de la Exhibición. A los 20 años, pasó a gestionar el cine de Castelldefels. Pronto descubrió que el cine necesitaba ingresos atípicos para su supervivencia y comenzó a tener contacto con Juan Carlos Aparicio (en aquella época Distel). En el año 2.000, Distel desapareció y Josep Vilella, ayudó a crear la nueva empresa de publicidad DISCINE del que actualmente es director en Barcelona. Paralelamente, en el año 2.008, junto a su amigo Albert Vila, crearon la empresa ASSIGEC, que gestiona, programa y asesora varias salas de cine de Cataluña, Castellón, Gerona, Marbella y Andorra. Recientemente Movirecord y Discine se han unido y han creado MovieDis.









jueves, 11 de julio de 2019

Dos comunicadoras de película en la tercera jornada de “Cine, comunicación y marketing” en la UB


La tercera jornada del curso “Cine, comunicación y marketing”, que organiza la Fundación Aula de Cine Colección Josep M. Queraltó, en el marco de Els juliols de la UB, contó con la participación de dos expertas en la promoción y comunicación de películas en la prensa y medios audiovisuales: Nieves Peñuelas y Laura Olaizola. Las dos clases magistrales tuvieron lugar el 10 de julio en el Aulari Josep Carner (Edificio histórico) de la Universidad de Barcelona.
Inició la sesión Nieves Peñuelas, Directora de Comunicación en 20th Century Fox / Digital Marketing #Vallian in progress/ Eventos /PR, con su ponencia “Funcionamiento de un departamento de comunicación de una multinacional”. Antes de entrar en materia hizo una breve introducción de como inició su relación laboral con la 20th Century Fox hace 25 años hasta ocupar el cargo actual y como siempre ha intentado estar al día en su profesión para dar lo mejor realizando reciclándose y haciendo cursos, como recientemente uno de marketing digital. Sin perder un minuto, pasó a hablar sobre uno de los tres pilares en que se basa el cine, la distribución, que es a lo que se dedica ella. Los otros dos pilares, por si alguien no lo tenía claro, informó que son la producción y la exhibición. Citó las seis grandes “majors” de la industria del cine que ahora se han convertido en cinco, con la adquisición de 20th Century Fox por parte de Walt Disney en 2018. Las otras cuatro son Warner Bros, Paramount, Universal y Sony. A continuación, pasó a detallar como se elabora un Plan de Comunicación. Enumeró ocho puntos:
1-Definición y ventajas: Hay varias, una de las definiciones es intentar conseguir de forma gratuita un espacio de comunicación y redes sociales para posicionar el producto de la mejor manera posible y de una manera positiva. Las ventajas cuando se habla de comunicación es el bajo coste y se percibe de forma positiva por la sociedad
2-Contextualización: ver cómo está el mercado, como es el entorno, tener unos objetivos claros, saber cuál va a ser nuestro mensaje, escoger la fecha del estreno, ver que estrenos tiene previsto la competencia y ver la disponibilidad de los actores para viajar. Los objetivos tienen que ser SMART:
Specifics (específicos-yo quiero ser el número 1 de taquilla el próximo fin de semana)
Measurables (medibles-tener una cantidad prefijada para alcanzar el presupuesto)
Achievables (alcanzables, intentar que el informativo de un canal hable del estreno el viernes)
Relevants (relevantes, que en las redes se hable de la película y se hable bien)
Time-based (acotados en el Tiempo, hay que decir cuando empieza la campaña de promoción y la fecha de término puede ser la del estreno o quince días después)
La estrategia es lo que se va a hacer para conseguir cumplir los objetivos, saber cuál es el canal que se va a seguir, el entorno, el lenguaje para comunicar mejor.
3-Materiales: notas de prensa, pressbook, trailers (pueden dar primicias), clips, fotos, el poster, carteles
4-Pases de prensa: antes venían más actores a España, la entrada hace unos años de Rusia y de países asiáticos en el tour, ha hecho que baje su presencia, también para reducir costes, y embargos
5-Entrevistas mensuales: entrevistas que se hacen con tiempo para los medios.
6-Acciones sin talentos: es más fácil hacer una promoción cuando se tiene al director o los actores, cuando no es el caso hay que ingeniárselas para hacer un acto, un evento, una acción que atraiga a la prensa.
7-Festivales: destacó los de la clase A: Berlín, Cannes, Venecia y San Sebastián. 
8-Junket y Premiere. El junket es un acto en el que directores, actores, productores y guionistas se reúnen con la prensa nacional o internacional para hablar sobre la película que se está promocionando antes de su estreno. Es la convocatoria de prensa más importante de toda la campaña de promoción y comunicación. Puso como ejemplo los que hicieron de las películas “Noche y día”, “Promoción fantasma”, “Lincoln” de Steven Espielberg. En la premiere se buscan esponsors.

Reivindicación de una profesión desconocida
Tras un descanso de media hora, le llegó el turno a Laura Olaizola, directora de Comunicación en Diagonal TV y Olaizola Comunica, quien inició su intervención con la ponencia “Otra forma de comunicar”. Confesó que no estaba acostumbrada a dar charlas y que, a pesar de haber creado una empresa de comunicación, era muy tímida, pero aceptó la propuesta de dar una clase para dar a conocer la profesión que realiza: “hay mucha confusión alrededor de las agencias de comunicación” mucha gente y sobre todo estudiantes se le han acercado y le han preguntado en que consiste su trabajo ya que lo desconocen “¿exactamente que hacéis? ¿Cuál es vuestro sitio en la alfombra roja? ¿Acompañais a los actores en las entrevistas?, ¿sois periodistas? El trabajo que hace ella y Nieves son diferentes: “tenemos un hilo conductor parecido, en eso todas las agencias tenemos un denominador común, pero por un lado las “majors” trabajan con un presupuesto mayor, pero por otro lado tienen más limitaciones porque tiene cortapisas”. Explicó que empezó en esta profesión hace 20 años, no es periodista de formación, es bióloga, pero desde pequeña fue una gran amante del cine. Quiso explicar este hecho porque cualquier persona que quiera dedicarse a esta profesión, lo ha de hacer de forma vocacional. Se considera incapaz de vender cualquier producto que no sea cine. Es vasca y por una cuestión geográfica ha visto mucho cine francés por lo que está muy influenciada por la cinematografía gala. Entiende el lenguaje cinematográfico algo que considera esencial para dedicarse a esta profesión. Actualmente también lleva las series de Diagonal TV. Se fomenta mucho las redes sociales, pero es de la opinión que hay que seguir entrando en los programas tradicionales. El éxito de una empresa pequeña como la que lleva se basa “en tener una buena base de datos, tener un teléfono, un móvil, y un periodista siempre a punto”. Nieves apuntó que el periodista tiene ahora más trabajo, hay muchos contenidos, saturación de información, hay menos periodistas para escribir, menos espacio. En los medios online no cabe todo como algunos piensan. No es un cajón de sastre. Los niveles de presión son muy altos. El productor que hace un gran esfuerzo para sacar adelante una película presiona mucho para que su película tenga la máxima difusión. Antes iban dos redactores y ahora va uno que lo hace todo. Ahora hacen menos ruedas de prensa y hacen más entrevistas personalizadas pactadas. La mayoría de los periodistas que trabajan en medios online tienen otros trabajos y no pueden ir a los pases de las mañanas. No tienen presupuesto de publicidad. Su agencia ha llevado campañas de películas por amor al arte y se ha arriesgado. Puso como ejemplo la película “Herida” de Fernando Franco, una historia dura, difícil. Conocía a Koldo, el productor. Hizo una comparación culinaria “lo nuestro es hacer una tortilla de patatas y para poder hacerla se necesitan los ingredientes: la distribuidora, los actores, los representantes, el productor, la calidad de la película. Todos estos ingredientes tienen que funcionar. “Hace trece años -afirmó Laura- podías permitirte el lujo de que si uno de tus ingredientes fallaba la película todavía podía funcionar, la gente todavía iba al cine, ahora la taquilla ha bajado mucho. Yo soy la cocinera, la que tiene la sartén. A mí me pasan todos los ingredientes y me dedico a mezclarlo y hacerlo lo mejor posible, pero si no me dan el aceite, los huevos, etc, poco puedo hacer, y eso en el cine español pasa muchísimas veces”. Con cierto optimismo afirmó “estos últimos años el productor se ha puesto las pilas, han cambiado de mentalidad y se han dado cuenta que tienen que tener en cuenta todos los aspectos en la producción de una película incluso la promoción”. Para ella lo ideal es coger una película desde el guión. Hay que estudiar la estrategia de comunicación ¿enseñamos la película desde el rodaje o más tarde? Pone como ejemplo la película de Iciar Bollaín “También la lluvia” que trata un tema complicado como la colonización de España en América. Hay que transmitir al espectador las ganas de ver la película. El trabajo que hace Laura nunca tiene la protección de la publicidad con lo que hay más riesgo. En la película “Lasa y Zabala”, tuvo que ir con mucho cuidado para que la prensa no filtrara nada que pudiera afectar negativamente a la película como pasó con “La pelota vasca” de Julio Medem. Se controló mucho todo “tuvimos reuniones con políticos, dijimos al equipo que no hablara con nadie”. No quiso en ningún momento que fuera un espectáculo. “Dudo que si hubiera habido circo hubiéramos hecho más taquilla”. “El trabajo del jefe de prensa consiste en crear la imagen a través de material audiovisual, con clips, vídeos, luego decidir hasta que punto vas a enseñar, mucho o poco, para crear expectación”. Es tajante al decir  que no se puede tener mentalidad de funcionario. “Es un trabajo de equipo el que se hace en el cine, una declaración inoportuna de una persona a la prensa se carga el trabajo de 200 personas que han intervenido en una película”. En las series de televisión es una movida diferente. Afirmó que “parte del éxito de mi oficina es la utilización de la inteligencia emocional, es una virtud en las agencias de comunicación”. También reconoció que “somos comerciales, el producto que yo vendo es cine. Tenemos que convencer a todos los periodistas que lo mío es lo mejor y que lo mío es más atractivo para el espectador”. Explicó que hay películas que desde el rodaje arrastran problemas, en esos casos cuanto menos se hable de esa etapa mejor. En España hay buen cine, pero criticó que a veces no se ha sabido vender. “Hay menos cine que en Francia porque en el país vecino se produce cuatro veces más. En Francia tienen un sistema de protección del cine que no tiene nada que ver con lo que hay en España”. Destacó que “ahora se está haciendo en España mucha comedia. Yo creo que es porque venimos de una crisis y la gente quiere distraerse. Todo depende de la coyuntura social que viva el país”. Nieves intervino de nuevo y coincidió con Laura la complejidad del trabajo que desarrollan “Somos chicas para todo” porque hacían varios trabajos al mismo tiempo. Es un trabajo que quema, añadió Laura, hay gente que no aguanta. Laura afirmó que “tenemos que ser psicólogas, tenemos que escribir medianamente bien, tenemos que tener la base de datos actualizada, es fundamental. A nosotras no nos ponen en el presupuesto, no incluyen la promo. Ponen a todo el mundo y a los que hacemos promoción nos dejan fuera. Vamos mal” porque las películas no se venden solas. Laura se quejó que “ hay algunos directores y productores noveles que se piensan que con mi trabajo de prensa van a conseguir alguna distribuidora pero eso no tiene nada que ver, es más un trabajo del productor”. “El cine no es una ciencia exacta”, afirmó Nieves, “nunca sabes como te saldrá”, corroboró Laura.

Entre multinacionales e independientes anda el juego
Nieves Peñuelas lleva más de 25 años en el sector del entretenimiento y en concreto en la distribución de películas en Cine. Empezó como jefe de prensa en una distribuidora de cine española, Manuel Salvador S.A, después de Licenciarse en ESIC (Business & Marketing School). Un par de años después pasó a formar parte de la plantilla de Hispano Foxfilm SAE, distribuidora de las películas de 20th Century Fox y de otras productoras. Ha lanzado más de 500 películas grandes y pequeñas, nacionales y extranjeras y elaborado sus campañas de Comunicación (Publicity) y RRPP. Ha trabajado con directores, actores, productores, managers, influencers…y con grandes profesionales del periodismo de nuestro país. Ha desarrollado el plan de comunicación de importantes franquicias como “Star Wars”, “X-Men”, “Ice Age”, “Maze Runner”… y ha llevado auténticas joyas como “Full Monty”, “Little Miss Sunshine”, “Tres anuncios en las afueras”, “La forma del agua”, “La Favorita” a diferentes Festivales Internacionales de Cine.
Tras varios años como jefa de prensa y R.R.P.P. de GREAT WAYS, empresa cinematográfica centrada en el mundo del cortometraje y festivales, Laura Olaizola crea OLAIZOLA COMUNICA en enero de 2004, tras observar una carencia de campañas de prensa más personalizadas y adecuadas a las necesidades de cada cliente y cada obra o evento cinematográfico. Así, OLAIZOLA COMUNICA surge con la intención de dar un enfoque distinto a las campañas de prensa y R.R.P.P., centrándose en producciones de cine, TV, y Festivales independientes o más comerciales pero que, bajo nuestro punto de vista, requieren un tratamiento más específico y personal. Entre sus clientes potenciales, se encuentran el canal de televisión TCM-TURNER, con distribuidoras como BUENAVISTA INTERNACIONAL (DISNEY), GOLEM, ALTA, SONY, EONE, DEAPLANETA, A CONTRACORRIENTE FILMS o productores como MORENA FILMS, ABRA PRODUCCIONES, KOWALSKI PRODUCCIONES, ALTUBE FILMEAK y ABRA PRODUCCIONES, entre otros.
Olaizola Comunica, también trabaja como R.R.P.P. llevando a cabo la producción y gestión de invitados del sector cinematográfico de eventos como la Presentación del Festival de Cine de San Sebastian en Madrid.  
Por otro lado, desde hace cuatro años, OLAIZOLA COMUNICA tiene como cliente a la productora DIAGONAL TV (Endemol Shine Iberia), creadora de series de máxima audiencia como CARLOS REY EMPERADOR, ISABEL, LA SEÑORA, LA REPUBLICA para TVE; SIN IDENTIDAD y AMAR ES PARA SIEMPRE de ANTENA 3, o LA CATEDRAL DEL MAR (Antena 3 y NETFLIX) y MATADERO (Antena 3). En estos años de existencia, Olaizola Comunica se ha hecho con una amplia experiencia laboral en diversos festivales y eventos relacionados con el mundo cinematográfico nacional e internacional.