El funcionamiento del ojo y la visión estereoscópica en el curso “La evolución de la imagen cinematográfica: del fotograma al cine en 360 grados” en els juliols de la UB

Alfons Bielsa y Lluís Bielsa

El 6 de julio los hermanos Alfons Bielsa y Lluís Bielsa, presidente y vicepresidente respectivamente del Col·legi Oficial d’Òptics Optometristes de Catalunya, dieron unas ponencias sobre el funcionamiento del ojo y la visión estereoscópica en el curso “La evolución de la imagen cinematográfica: del fotograma al cine en 360 grados”, en el marco de Els juliols de la Universitat de Barccelona.

Alfons Bielsa fue el primero en intervenir. Puso a la clase al día en los temas relacionados con el funcionamiento del ojo y aportó muchos datos, conceptos y definiciones de gran interés. Explicó, por ejemplo, la diferencia entre optometría y oftalmología: mientras la primera es la rama del estudio de la visión, que se basa en la valoración, el tratamiento y el seguimiento de las alteraciones del sistema visual desde las perspectivas óptica, funcional y ergonómica; la segunda es la rama de la medicina que se ocupa del ojo y sus enfermedades. O la diferencia entre visión (lo que uno percibe) y vista (sinónimo de agudeza visual). Afirmó que la visión es un conjunto de habilidades como son los movimientos oculares, la coordinación de los ojos, el enfoque, la visión del color, la percepción visual, la vista, la visión en 3D, aportando unas informacione curiosas, un 15 por ciento de la población tiene dificultades para ver el 3D, o que muchas personas que dicen no gustarles el cine en 3D es porque presentan problemas de visión binocular. El estudio que desde el Colegio Oficial de Ópticos Optometristas de Cataluña se ha hecho en el campo del 3D les llevó hace unos años a hacer la campaña “Vive el 3D” en el que se hizo el primer test colectivo en el mundo a más de 400.000 espectadores en los cines 3D de Cataluña. Alfons Bielsa introdujo también conceptos sobre lentes (convergentes, divergentes, tóricas), explicó las diferencias entre emetropía, miopía, e hipermetropía y amplió la definición de estigmatismo.

Lluís Bielsa, al igual que Alfons, supo combinar la clase magistral con demostraciones empíricas que en más de una ocasión provocaron las sonrisas y animó a la participación activa de los alumnos asistentes. Lluís centró su ponencia en la visión estereoscópica, la salud visual y el visionado en 3D. Para calentar motores y llamar la atención de los asistentes a la clase planteó frases ingeniosas como “La ausencia de evidencia no es evidencia de ausencia”, “¿La evidencia es siempre evidencia de presencia? Entrando en materia explicó lo que es la base del 3D. A través de un dibujo piramidal situó a partir de la base la visión monocular, la visión simultánea, la fusión plana y en la cima la estereopsis. Sorprendió con teorías como la binocularidad o la lucha contra el caos, el desorden, y la búsqueda del equilibrio continuo. Ante la pregunta formulada en muchas ocasiones de si los sistemas de visionado en 3D, su respuesta fue contundente: No. También dio pautas sobre los signos y comportamientos típicos indicativos de disfunción binocular ante el cine en 3D: cara de póker, cansancio visual, pesadez, dolor de cabeza, congestión ocular, lagrimeo, etc. Entre las alteraciones de la visión binocular destacó el esfuerzo de compensación, que se pueda acabar en metropía (estrabismo). Señaló como alteración más frecuente una visión de estabilidad forzada, la foria: cuanto más grande es más inestable. 

Colocando la mano abierta pegada al papel convertido en un objeto cilíndrico se consigue el efecto óptico de tener un agujero la mano atravesado por el papel.

Tiempo de descanso en un local donde la mayoría saciaban la sed con una buena horchata

La captura de la imagen, su almacenamiento y la proyección centran la tercera jornada del curso “La evolución de la imagen cinematográfica: del fotograma al cine en 360 grados”

Los ponentes de la tercera jornada

El director de fotografia y co-fundador de Afilm, Juan A. Fernandez, fue el encargado de iniciar la tercera jornada del curso "La evolucion de la imagen cinematografica: del fotograma al cine en 360 grados" dentro de los cursos de verano de Els juliols de la UB. Explicó de forma inteligible basándose en su experiencia profesional y académica la historia y proceso de la captura analógica a la digital. Explicó, con una participación activa de los alumnos asistentes, los diferentes formatos de la película, su composición química, y elementos como la luz y de que forma se puede conservar la imagen una vez capturada ya sea de forma analógica y digital y archivarla. Sorprendió a los asistentes al curso con una serie de materiales y cámaras de películas de formatos diferentes que hicieron más comprensible sus explicaciones.

A Juan A. Fernández le siguió Albert Flaujat, responsable de de Control de Calidad y Servicio Tecnico de Fujifilm España. Habló sobre “Conservación y almacenamiento a largo plazo – soporte “RDS” Fujifilm Digital Separation Film”. Flaujat hizo un breve recorrido histórico de los soportes fotográficos, empezó con las placas de cristal, personajes claves en la aparición de la película: George Eastman (1854-1932), Hannibal Goodwin (1822-1900),  quien descubrió el primer método de fabricación de la película de celuloide por lo que está considerado como uno de los pioneros de la fotografía y el cine, y John Carbutt (1832-1905), que fue el primero en desarrollar láminas de celuloide revestidas con emulsión fotográfica para hacer películas de celuloide en 1888.  También citó a Emile Reynaud, inventor y el padre de la animación. Inventó el praxinoscopio en 1877 y lo mejoró creando en 1888 el Théâtre Optique. En cuanto a la composición del soporte fílmico explicó las características y diferencias del nitrato de celulosa y el acetato de celulosa. Después se adentró en la restauración de las películas y en la conservación. 

Explicó que es el RDS (Recording Digital Separation) e hizo referencia de la película ETERNA RDS con base de polyester, seleccionada por la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood, para recibir el Premio de Ciencia e Ingeniería 2011 por su valiosa aportación en la preservación de archivos de películas e imágenes digitales. La película ETERNA-RDS se integró al portafolio de FUJIFILM en abril de 2010 y está diseñada específicamente para la preservación de archivos cinematográficos, ya que permite realizar la separación de 3 colores en las imágenes a color, almacenándolas como imágenes estables en blanco y negro (imágenes de haluros de plata), a fin de conservar y garantizar la transmisión de contenidos con imágenes en movimiento a largo plazo, como patrimonio cultural a las generaciones futuras. 

Albert Flaujat explicó detalladamente el funcionamiento del flujo de trabajo en archivos digitales y finalizó su ponencia hablando de la evolución hacia la revolución del almacenaje de la cinta, haciendo hincapié en la reducción del espacio físico, el aumento de velocidad, la integridad de datos superiores y mayor longevidad de la solución de almacenamiento. Manifestó que Fujifilm tiene un compromiso en la investigación y desarrollo de tecnologías que contribuyan a la protección y preservación del patrimonio de la Industria Cinematográfica.

Anna Baldris, responsable de Soluciones de Almacenamiento RM de Fujifilm España, fue la tercera ponente. Centró su presentación en “El cine y el entorno de broadcast: archivo de datos en cinta magnética LTO”. Citó la revista profesional Cineinforme que publicó un artículo en abril de 2017 en el que informaba que toda la filmografía de Pedro Almodóvar se conservará en cintas LTO por duplicado y almacenadas en dos edificios distintos para reducir al mínimo los riesgos de pérdida. Anna también explicó la evolución de la utilización de formatos de cinta en el entorno broadcast. Mostró comparativas de ayer y hoy en la producción, edición y archivo. En producción se ha pasado de una cinta pequeña de vídeo profesional a una tarjeta de memoria SSD; en edición de la tarjeta grande de vídeo profesional se ha cambiado a disco duro servidor; y en lo que respecta a archivo, de la cinta grande de vídeo profesional se ha dado un salto a cintas magnéticas tipo LTO. Anna Baldrís dijo las ventajas que ofrece la adquisición Librería SL-150 de Oracle: reduce el espacio destinado al archivo de datos.

Jordi Casas, director tecnico de Kelonik, cerró la tercera jornada del curso "La evolucion de la imagen cinematografica: del fotograma al cine en 360 grados" con su ponencia “Proyección de Cine Digital. Equipamiento inicial y desarrollo de las propuestas hasta el dia de hoy”. Gran experto en servicios en la exhibicion habló sobre las cabinas de cine, los proyectores y su evolución. Comentó la coexistencia entre el 35mm y el sistema digital, citando como equipos compartidos el sonido y los automatismos. Explicó las diferencias entre una cabina con proyector analógico de 35mm y otra digital. Adentrándose ya en la proyección digital enumeró como equipos imprescindibles el proyector digital, un servidor, un switch, un sistema de automatismos_ Jnior, un procesador de sonido y un sistema 3D, aunque éste último con interrogante. Destacó como partes importantes en un proyector digital el engine, la linterna, el router, el ICP, el LD y el IMB. Dio algunas nociones sobre el funcionamiento del DMB (Digital Micromirror Device), también dio algunos consejos sobre cómo instalar físicamente un proyector, mencionó la importancia de la tecnología Lens Shift, que permite mover el lente de izquierda a derecha o de arriba hacia abajo directamente dentro del proyector, obteniendo así flexibilidad en las opciones de despliego. Jordi Casas adelantó algunas novedades como la pantalla led, con una gran calidad de imagen pero que no requiere proyector o el NOC (Network Operations Center-Centro de Control de la Red), desde ese centro Kelonik, por ejemplo, puede controlar la proyección de todos los cines. A medida que llegaba el final de su intervención se hacía mayor la participación de los asistentes al curso y aportaba más información Jordi Casas asombrándonos a todos por el devenir de la tecnología y los grandes cambios que promete traer el sector de la exhibición que él conoce como la palma de su mano: pantallas, sonido, proyectores laser, etc. 

Els juliols de la UB llegan a Vallbona de les Monges

El segundo día del curso “La evolución de la imagen cinematográfica: del fotograma al cine en 360 grados” transcurrió fuera del aula de la Universidad. La clase magistral tuvo lugar en el Espacio Museístico del cine de la Colección Josep M. Queraltó en Vallbona de les Monges (Lleida) inaugurado justamente hacía dos años, un 4 de julio de 2015. La labor docente la desarrollaron en esta ocasión, complementándose a la perfección, Josep M. Queraltó, propietario de las piezas del museo y presidente de honor de la Fundación Aula de Cine Colección Josep M. Queraltó, y Jorge S. Bonet, presidente de la Fundación. El primero hizo hincapié en la parte técnica de los objetos expuestos y el segundo puso el punto de mira en la parte más histórica.

El museo está distribuido en dos salas y un espacio para conferencias y proyecciones.

En la primera salase se exponen objetos y aparatos en orden cronológico desde los orígenes del séptimo arte hasta la actualidad. Acoge sombras francesas, cristales pintados a mano de los que se utilizaban en las linternas mágicas, un zootropo, un praxinoscopio, una kinora, cámaras fotográficas, filmadoras y proyectores de diferentes formatos, una moviola profesional, la reproducción de una cabina de cine de 35mm, etc. La segunda sala, denominada “El mundo de Josep M. Queraltó”, es un homenaje a su persona. Allí puede verse la reproducción de un taller parecido a uno en el que había trabajado Josep Maria de joven, una bicicleta de 1910,  modelo que utilizaba para desplazarse por la comarca reparando toda clase de aparatos como radios, etc.; un saco donde se llevaban los rollos de películas para trasladarlas del cine de un pueblo a otro; radios y objetos relacionados con el sonido; televisores, entre ellos, un prototipo inglés de 1907; el antiguo proyector de cine del pueblo que ahora funciona perfectamente; una librería que contiene, entre otros libros, diversos publicados por la Fundación Aula de Cine Colección Josep M. Queraltó, y los cuadernos y ejercicios prácticos originales de la Escuela Radio Maymó. Completa esta sala unos palafones donde hay recortes de prensa, posters y fotografías que se han generado durante más de una década para dar a conocer el trabajo, el proyecto y la colección de Josep M. Queraltó.

Después del recorrido por las dos salas del museo, seguido con mucho interés por los alumnos del curso, se proyectó en otra sala uno de los capítulos del documental “JMQ, en busca de un sueño”, el más pedagógico, que complementaba a la perfección y de manera visual la visita.

Una vez finalizado el tour cinematográfico, prácticamente todo el mundo quiso pasar por la tienda de productos de Vallbona, situada en la planta baja del edificio y llevarse algún que otro recuerdo gastronómico y también catálogos de consulta de las piezas expuestas en el museo. 

El director de fotografía y restaurador Juan Mariné inicia el curso “La evolución de la imagen cinematográfica: del fotograma al cine en 360 grados” de Els juliols de la Universitat de Barcelona

El director de fotografía y restaurador Juan Mariné, maestro donde los haya e historia viva del cine español, inició el 3 de julio de 2017, el curso “La evolución de la imagen cinematográfica: del fotograma al cine en 360 grados”, en el marco de Els juliols de la UB, con la ponencia “Ayer y hoy en el cine”, una clase magistral de historia del cine desde la década de los años 30 hasta la actualidad. Xavier Lacasta, responsable de Relaciones Externas de la UB, dio la bienvenida a los alumnos asistentes al curso.  

A lo largo de cuatro horas Juan Mariné se explayó explicando vivencias personales y apuntes de su larga trayectoria profesional que inició, con 14 años, convirtiéndose después en uno de los directores de fotografía y restauradores más importantes, innovadores y longevos de la historia del cine de España. Para ello fue proyectando de forma alternada fragmentos del documental “Juan Mariné, la aventura de hacer cine” dirigida por Primitivo Pérez. Mariné se auto define como “un señor muy aficionado al cine, que ama el cine, que vive para el cine y que se dedica al cine” y además “siempre procurando que esté en las mejores condiciones y haciendo por el cine todo lo que sé y todo lo que puedo aprender en el futuro porque sigo estudiando, claro”.

Contó con entusiasmo su participación en las primeras películas habladas como “El octavo mandamiento” o en estudios ya desaparecidos como los de Lepanto. Numerosas anécdotas como en la película “Paquete, el fotógrafo público número uno” (1938), dirigida por F. Iquino, en la que participaban unos jóvenes Paco Martínez Soria y Mary Santpere, en los que Mariné apostó por su futuro como actores a diferencia de algún director de la época. Recordó su inevitable participación en la guerra civil española. Fue fotógrafo del general Lister en la cuarta región militar. De nuevo en el cine, hizo también trucajes en películas como “Deliciosamente tontos” (1943), dirigido por Juan de Orduña, en la que hacía encajar maquetas. Fue su inicio en hacer trucajes, efectos especiales, que aplicó en otras películas como “Eloisa está debajo de un almendro” (1943), dirigida por Rafael Gil. Películas de José Antonio del Amo como “El ruiseñor de las cumbres” (1958) o “Escucha mi canción” (1959), interpretadas por Joselito fueron las primeras en color. Su recorrido histórico no pasó por alto películas que utilizaron objetivos de Cinemascope como “La gata” (1956), dirigida por Margarita Alexandre y Rafael Torrecilla. Sobre ésta técnica explicó Mariné, que en una posición del objetivo se rodaba y en otra se proyectaba. Mencionó la llegada de las cámaras Arriflex después de la Segunda Guerra Mundial. Estas cámaras, manifestó, se concibieron en Alemania para rodar escenas de guerra para los noticiarios, luego se hicieron más estables y se empezaron a rodar películas. Mariné ha utilizado esta marca a lo largo de su filmografía como, por ejemplo, en la película “001 Operación Caribe” (1965), dirigida por Richard Jackson. A Mariné siempre le ha gustado experimentar e innovar, así lo ha hecho en numerosas películas, algunas de ellas son “091, policía al habla” (1960), dirigida por José María Forqué, donde en lugar de utilizar película de 200 asas para las escenas de noche utilizó de 800, es decir multiplicó por cuatro la sensibilidad del material para ahorrar presupuesto. “La muerte silba un blues” (1962), dirigida por Jesús Franco, utilizó un gran angular espectacular creado por el mismo. Para ello desmontó el objetivo y la lente negativa la aproximó al resto de los componentes del objetivo y convirtió aquel objetivo en un gran angular de una distancia focal que no existía comercialmente. Mariné también destacó la importancia de los focos y concretamente del arco de 175 amperios o 180 que fabricó la casa Moller Richardson. Estos arcos, contó, facilitaban poder rodar en color con tranquilidad ya que tenían la temperatura de la luz de día y se podía mezclar perfectamente. Le llamaban el rey de las caras de las mujeres por saber darles una excelente iluminación. Mariné llegó a hacer hasta siete películas en un año. Volviendo al tema del trucaje y de los efectos especiales explicó algunos trabajos que hizo, como la película “Supersonic Man” en la que hacía volar al protagonista, y asegura el propio Mariné se doctoraron en trucajes. En “La noche más hermosa” (1984), dirigida por Manuel Gutiérrez Aragón, Mariné hizo los efectos especiales del cielo, tarea nada fácil. Diseñó una copiadora óptica para la Filmoteca de España logrando un sistema de alta definición, en esa época estaba de director Juan Antonio Millán. 

Cuando se estropeó el negativo de “La aldea maldita” (1930), dirigida por Florián Rey, le pidió que lo arreglase. Mariné hizo una prueba y le confiaron el trabajo. Mariné, según palabras del director de fotografía Carlos Suárez, ha demostrado ser, por un lado, un gran creador de imágenes, como gran director de fotografía, y, por otro, un gran investigador. Estas dos características no se dan a la vez y esta es una de las grandes cualidades de Juan Mariné.  Algunas de los trabajos restaurados por Mariné fueron “Vistas gijonesas, siglo XIX”, rodada por Arturo Truán (Filmoteca de Asturias), “Revista camarillo” (1927-1935), del centro de la Fotografía y de la Imagen Histórica de Guadalajara; “Currito de la cruz” (1925), dirigida por Alejandro Pérez y Fernando Delgado, de la que restauró 300 mil fotogramas, con motivo de la exposición de Sevilla en 1992. Todos los fotogramas pasaron por la máquina de lavar inventada por Mariné.

También habló de los soportes cinematográficos, de las diferentes bases de las que consta: Acetato, Diacetato, Triacetato y Polièster. remarcando que todos los soportes utilizados hasta el momento para uso de negativo de cámara están hechos a partir de la celulosa, que se extrae de los desechos del algodón y la pulpa de la madera. Profundizó en la parte química que caracterizaba a la película analógica.

Juan sigue trabajando en proyectos de restauración y recuperación de negativos en los sótanos de la ECAM y no ha querido darle la espalda al mundo digital, todo lo contrario. El actor José Sacristán afirma con respecto a la figura de Juan Mariné “Es imposible escribir la historia del cine español sin que ocupe Juan uno de los primerísimos lugares, por encima de todo, porque su capacidad y talento ahí están demostrados”.

El curso “La evolución de la imagen cinematográfica: del fotograma al cine en 360 grados” está patrocinado por la Fundación Aula de Cine Colección Josep M. Queraltó.

Fallece Jaume Campreciós Pujol, presidente y fundador de la ACEC

Jaume Campreciós con Josep M. Queraltó

El viernes 30 de junio de 2017 se produjo la triste noticia del fallecimiento del périto industrial y empresario cinematográfico de l’Hospitalet de Llobregat, Jaume Campreciós Pujol a la edad de 85 años. Fue un apasionado del cine, que siguió la tradición iniciada por su padre que llegó a ser propietario de 7 salas de cines en L`Hospitalet de Llobregat y 5 en Cornellà. Uno de sus hijos ha heredado la pasión y afición y la saga continuará en lo que será ya la tercera generación.

Jaume Campreciós fue uno de los fundadores de ACEC (Àrea Catalana d'Exhibició Cinematogràfica) en 1985 ocupando el cargo de presidente durante diez años.  Desde la Fundación Aula de Cine Colección Josep M. Queraltó queremos transmitir en estas líneas nuestro más sincero pesar por esta pérdida y nuestras condolencias a la familia, amigos y compañeros exhibidores.

Enlace de la entrevista realizada por Gent de Cinema para CineMemory:

http://www.cinememory.es/entrevista-jaume-camprecios-i-pujol/